Cine y gastronomía

La pasión de Cristo

2011-04-18T02:55:00.004+02:00

Ficha técnica

Título: La pasión de Cristo

Director: Mel Gibson

Año: 2004

Título original: The passion of Christ

Nacionalidad: EE.UU.

Producción: Bruce Davey, Mel Gibson, Stephen McEveety

Duración: 127 minutos

Guión: Benedict Fidjerald y Mel Gibson

Fotografía: Caleb Deschanel

Música: John Debney, Shankar, Gingger Shankar

Vestuario: Maurizio Millenotti

Ficha Artística

Jesús de Nazaret (Jim Caviezel)

Virgen María (Maia Morgenstern)

María Magdalena (Monica Belucci)

Poncio Pilato (Hristo Naumov Shopov)

Caifás (Mattia Sbragia)

Satanás (Rosalinda Celentaro)

Juan (Hristo Jivkov)

Pedro (Francesco De Vito)

Judas Iscariote (Luca Lionello)

Simón de Cirene (Jarreth Merz)

Herodes (Luca de Dominicis)

La pasión de Cristo es, según mi modesto entender, la mejor adaptación al cine de la vida de Cristo. Una película preñada de virtudes que ilustra las últimas doce horas de su vida desde que está en el Huerto de los olivos hasta su muerte.

Si bien narra esas horas de la vida de Cristo, también está salpicada de acciones pasadas a modo de “flashbacks” o miradas retrospectivas que nos ilustran y enseñan episodios de la vida de Jesucristo, tales como la última cena, la lapidación de María Magdalena, algunos guiños a la virgen María… Siendo la última cena, en la que Cristo bendice el pan y el vino antes de darlo para comer, (para entregarse él mismo), y se convierte en símbolo ineludible para la iglesia que lo precedería, una de las más finas y elegantes de cuantas se hayan rodado.

Película controvertida porque narra sin paños calientes la verdad (según las escrituras y la lógica) de ese episodio en la vida de Jesús. Un episodio matizado, edulcorado y suavizado por todo el gremio de cineastas a la hora de llevarlo a la gran pantalla. Por todos excepto por Gibson, quien tras demostrar su talla como actor, se quita la careta una vez más tras la cámara y nos demuestra que es todavía más grande, regalándonos una película de las pocas que nos hacen reflexionar, pensar, sentir e incluso sufrir mientras la vemos.

La crítica judía sacó las uñas cuando se dio a conocer la película, alegando que deja en muy mal lugar a toda su tribu. Pero siendo fiel a los textos, no podemos olvidar que el propio Jesús es reconocido como tal, y son ellos, los de su pueblo, los que le condenan y hacen sacrificar.

También ha sido tachada de película violenta. Pues lo es. Sin duda alguna. Tan violenta como ha de ser una película que recrea un arresto injusto, un juicio falso, (como si se rodara una película sobe el 11M, o sobre el faisán, o obre las "X" sin despejar... Que jueces estrellas los ha habido y los habrá...), una condena injusta, una tortura innecesaria, una sentencia a muerte indebida y una ejecución ilógica.

Lo es porque refleja cada uno de esos puntos con absoluta fidelidad, no con saña, sino con un realismo al que no estamos acostumbrados en estos días en los que para montar en bicicleta tenemos que ponernos coderas, rodilleras, casco, luces, y reflectantes por si a caso nos la pegamos.

Vivimos en una era de bien estar, a pesar incluso de los gobiernos que nos gobiernan que en aras de lo políticamente correcto (vuelvo a cargar contra "lo politicamente correcto") no gustamos de ver sangre cuando vemos una película en la que torturan a Jesús de Nazaret. Pues sangre hubo, tanta como albergara su cuerpo, pues según las mismas escrituras, y la base de todo un Credo, Cristo entregó su sangre por la redención de los pecados de la humanidad. Y entregar la sangre, pasando por todos los episodios detallados anteriormente, obligatoriamente nos invita a pensar que tal episodio tuvo que ser cuando menos trágico sangriento.

No hay más que sentarse a ver un telediario para ver cómo se las gastan en la zona entre vecinos, eso hoy, que estamos civilizados, pues imaginemos esto mismo, pero hace dos mil años, sin Al Jazeera ni la CNN, y con los romanos de por medio, que culturizaron todo lo que conquistaron, lo urbanizaron y lo civilizaron, como solo se puede hacer semejante empresa: con mano férrea.

Así pues, no dudemos de la violencia de la película: justificada a todas luces, fiel a textos milenarios y cargada de lógica, una lógica “ilógica” de su época que marcaría para siempre el destino de la Humanidad.

La pasión de Cristo está rodada en latín, hebreo y arameo, otra inmensa apuesta realista de Gibson para mejor ambientar tamaño episodio en un contexto lingüístico riquísimo en matices fonéticos que expresan odio, amor, pasión, perdón que entendemos por el tono y la expresión de los personajes.

Y no puedo terminar este texto sin destacar, en mi opinión, la mejor de las interpretaciones en esta película, la del actor búlgaro Hristo Shopov, encarnando a Poncio Pilatos con una humanidad, un sentimiento, un rigor y una interpretación digna de alabanza. Cierto es que es en esta película en la que más se ha profundizado en la figura de Pilatos de todas cuantas han recreado la pasión de Cristo, pero no menos cierto es que se come la pantalla dándonos a conocer el dilema psicológico en que se hallaba a la hora de tomar la gran decisión de su vida, esto es: ser indeciso y rendirse a la vileza de la injusticia por omisión.

Los siete samuráis

2011-03-26T03:52:00.005+01:00

Ficha técnica

Título: Los siete samuráis

Director: Akira Kurosawa

Año: 1954

Título original: Shichinin no samurai - 七人の侍

Nacionalidad: Japón

Productora: Toho

Producción: Sojiro Motoki

Duración: 204’

Guión: Shinobu Hashimoto, Akira Kurosawa e Hideo Oguni

Fotografía: Asakazu Nakai (ByN)

Música: Fumio Hayasaka

Ficha artística

Kikuchiyo (Toshiro Mifune)

Kambei (Takashi Shimura)

Sichiroji (Daisuke Kato)

Katsushiro (Ko kimura)

Heihachi (Minuro Chiaki)

Kyuzu (Seiji Miyaguchi)

Gorobei (Yoshio Inaba)

Hablar de Los siete samuráis es hablar de una obra de arte. El padrino, El submarino, El séptimo sello… Y otras pocas, no tantas desde luego, (según mi parecer), pueden gozar de semejante calificativo.

Y para mejor comprender la película, referencia forzosa a su Director: Akira Kurosawa, la joya de la corona del cine japonés. Eso sí, teniendo en cuenta que filmó películas en el Japón, en los Estados Unidos e incluso en la Unión Soviética, en donde llegó a rodar Dersu Uzala, ¡es que estamos hablando de un genio!

Akira nació en una familia que aunaba los dos aspectos que definen hoy en día a todo el Japón: tradición y modernidad. La primera a través del padre, que se sentía arraigado en los usos y costumbres “feudales” de los samuráis siendo el Director de Instituto del Ejército Japonés, con lo que esto implica en cuanto a valores ancestrales arraigados en su familia. El aspecto “moderno” lo aportaba su hermano, que trabajaba en la industria del cine, cosa que fascinaba al joven Akira que se desvivía por Occidente.

Tradición y modernidad, dos ingredientes que bien definen a toda esa sociedad… Y terremotos. Porque al igual que hoy en día, Akira vivió un terremoto en Tokio que desoló la ciudad. Su hermano le obligó a acompañarlo por entre las ruinas para enseñarle a enfrentarse al miedo y la desolación, dándole la que sería la mayor lección de humanidad y fortaleza psicológica de su vida.

Otro hito en su vida fue el suicidio de su hermano, su héroe y mito caído. A partir de ahí, con unos pocos años mas dio el salto al cine y poco a poco se fue forjando una reputación que con el tiempo harían de él uno de los mas grandes del género.

Ver Los siete samuráis es comprender en gran medida esa sociedad de la que hablaba, la referente a los valores tradicionales. En si misma, la película tiene el formato de una película del oeste, pero elevada a lo sublime. No obstante esta película fue recreada años después por el cine americano para regalarnos otra “subjoya”, igual de buena pero quizás de menor calidad: Los siete magníficos.

Las casi 4 horas de película se hacen cortas por mucho que la acción no empiece hasta transcurridas dos. Estas dos primeras horas nos servirán, sobre todo desde nuestra perspectiva “no nipona” para situarnos en su sociedad, en sus valores, en sus costumbres arraigadas y su manera de entender el tiempo y en contar cómo pasa éste. Que sin duda es el mismo que el nuestro, pero bien parece que los segundos se alargan, se estiran y dan de si más que los nuestros. (Esto sucede también en RAN).

El tratamiento que da a los personajes y sus diferentes personalidades, las interpretaciones de los actores, sublimes todas ellas, las de los siete samuráis, porque hay algún secundario que no podemos comprender salvo si nos metiéramos en el pellejo de un nipón y comprendiéramos no solo la escenografía de su cine sino también su teatro, en cuanto a la expresividad de los rostros y la elocuencia de sus silencios.

Y si nos ceñimos a la trama: sencilla. Una aldea asolada temporada tras temporada por una banda de bandidos que decide como último recurso contratar a un grupo de samuráis para que les protejan: John Ford en pura esencia, no obstante éste era una de las inspiraciones de Kurosawa.

Hay escenas y escenas, de una fotografía maravillosa y una armonía difícilmente igualables. La naturaleza queda fielmente reflejada en toda su inmensidad, como sucede en todas las películas de Akira, pues hace de ella casi un último personaje que aclimata a todos los demás.

Y el alimento, o la escasez del mismo tras las incursiones de los bandidos. Dentro de esas escenas que apuntaba antes, yo me quedaría con el momento de la primera contratación, cuando convencen por compasión al primer samurái, al ofrecer al líder Kambei un cuenco de arroz, como todo bien material de que disponen mientras los aldeanos que han ido a la ciudad se alimentan con mijo durante semanas. La compasión es una constante dentro de la película, así como el valor y el honor.

La sensualidad toma cuerpo femenino cuando un aldeano comprende que ha de hacer pasar por chico a su hija al observarla mientras ésta se lava la melena, con el consiguiente atractivo y peligro que suscita ante la inminente llegada de los samuráis, por otro lado, sus protectores.

Otra escena relevante es el duelo de uno de ellos queriendo evitar a toda costa el enfrentamiento cuerpo a cuerpo por temor a terminar con la vida de su adversario.

La escena de la guarida, en la que aparece una figura femenina que primero escapa de los bandidos tras usarla como concubina y al plantarse frente a frente con su marido, se arroja a las llamas por vergüenza.

Y la batalla bajo la lluvia… Sin igual. Es complejo filmar la lluvia en una película, tanto como fotografiarla con una cámara de fotos. Pues Akira grabó durante días, casi semanas toda una escena, secuencia por secuencia en una “falsa” por artificial, lluvia que cansa a los samuráis, a los aldeanos, a los bandidos y a los espectadores por igual.

Dejando para el final la que sin duda es para mi la escena mas impactante: rendir la humanidad al ansia de venganza de una anciana que mata con sus propias manos al asesino de su hijo.

El ritmo pausado de toda la película nos regala una de las joyas mas grandes de toda la historia del cine universal.

Coffe and Cigarettes

2011-01-28T10:28:00.003+01:00

Ficha técnica

Título: Coffee and Cigarettes

Director: Jim Jarmusch

Año: 2003

Título original: Coffee and cigarettes

Nacionalidad: EE.UU.

Edición: Jay Rabinovich

Duración: 96 minutos

Guión: Jim Jarmush

Fotografía: Tom di Cillo (B/N)

Ficha artística

Cate Blanchett (Cate/Shelly)

Bill Murray (Bill Murray)

Roberto Benigni (Roberto)

Steven Wright (Steven)

Steve Buscemi (Steve)

Iggy Pop (Iggy)

Tom Waits (Tom)

Jack White (Jack)

Meg White (Meg)

Alfred Molina (Alfred)

Steve Coogan (Steve)

Película interesante que rescata escenas cotidianas de amigos, familiares, o colegas de trabajo en torno a una mesa de cafetería aderezada con cigarrillos y café: toda una pieza de ciencia ficción en nuestros días; ¡cigarrillos en una cafetería! Lo extraño es que la censura del régimen no ponga una tira negra tapando cada cigarrillo que sale en escena, censurando la pantalla tal cual censuran la vida real.

Pero ya metido en materia, comentaré esta pieza de pornografía pronicotina agradeciendo que llegara a las pantallas españolas antes de 2011, pues ir a verla hoy al cine haría que a la salida te estuviera esperando una patrulla cívica para lapidar a los fumadores pervertidos que acuden a una sala para disfrutar viendo cómo los ciudadanos de otros países pueden disfrutar de los placeres del tabaco en un lugar público.

Siento divagar, pero ver esta película recién aprobada la Ley contra el tabaco me hace sentir como aquellos que se iban hasta Hendaya para ver Emanuelle. Lo curioso es que los que han dictado esta Ley son los hijos de los que cruzaban la frontera huyendo de la dictadura, la represión, la censura y la moral estricta que imponía modos de comportamiento reglados.

Supero mi dolor de actualidad con una calada y, ahora sí, entro de lleno en la película.

Se trata de una película compuesta por once escenas diferentes, ambientadas, localizadas y protagonizadas por actores diferentes todas ellas. Once escenas de situación en las que todo un elenco de actores se pone frente a la cámara en un esfuerzo de Jim Jarmush por hacer algo diferente. No una película hilvanada de principio a fin, pero sí con un argumento único, aunque indirecto y subyacente: la desinhibición de los personajes en torno al placer de fumar y tomar café.

Historias para todos los gustos, y por desgracia, no todas a la misma altura, pues de las once, habrá algunas buenísimas y otras que se quedan cojas. Yo destacaría fundamentalmente las escenas interpretadas por Roberto Benigni, Iggy Pop, Cate Blanchet y la de Steve Coogan y Alfred Molina.

Cierto es que Benigni tiende a auto interpretarse, como lo hiciera en la recogida del Oscar cuando premiaron La vida es bella, pero aquí no deja de tener gracia al esgrimir su histrionismo.

Cate Blanchet se sale de la pantalla interpretando a una actriz que responde al nombre de Cate, vamos, ella misma y la conversación con su prima, (interpretada también por ella), de quién se ha ido distanciando con el tiempo debido a su trabajo.

Mi debilidad por Bill Murray hacía que esperara su corto con tantas expectativas que, como sucede en estos casos, hizo lo peor que puede pasar: dejarme indiferente. Interpreta a un Bill Murray, pues en la película es él mismo decando u tiempo libre a servir cafés para poder sentarse con los clientes y saciar su adición al café, mas que a los cigarrillos, llegando a reconocer que es un "yonqui" de tal bebida.

La escena de los viejos rockeros que han dejado de fumar, pero fuman como carreteros es grandiosa. La interpretan el propio Iggy Pop y Tom Waits, ambos exfumadores que solo fuman por placer, exfumadores en público que lo hacen en privado.

Y la mejor de todas, según mi propio criterio, es el duelo entre Alfred Molina y Steve Coogan en una maravillosa tertulia que ponede relieve las dificultades para sacar adelante un proycto cuandose cruzan vanidad y profesionalidad.

Jim Jarnush rescata una serie de cortometrajes de años atrás, cuando ganó el Premio al Mejor Cortometraje de Cannes en 1993 e incorpora otros nuevos para cerrar el metraje de un largo filmado en un blanco y negro fabuloso.

Con todo esto, la película no es un canto al tabaco y sus virtudes, ni tampoco al café, pues hay algunas escenas en que los protagonistas lo disfrutan y otras en las que simplemente se rinden a la adicción. Pero sí podría cerrar el artículo alabando el gusto por la libertad individual en la que uno puede acertar o equivocarse sin que tenga que venir "papá Estado" a velar por tu salud recortando tus libertades.

Los amigos de Peter

2010-12-29T03:11:00.006+01:00

Ficha técnica

Título: Los amigos de Peter

Director: Kenneth Branagh

Año: 1992

Título original: Peter’s Friends

Nacionalidad: Reino Unido

Productora: Kenneth Branagh

Duración: 101’

Guión: Rita Rudner, Martin Bergmann

Fotografía: Roger Lanser

Música: Recopilación de los años 80.

Ficha artística

Peter (Stephen Fry)

Kenneth Branagh (Andrew)

Emma Thompson (Maggie)

Hugh Laurie (Roger)

Omelda Stauton (Mary)

Alphonsia Emmanuel (Sarah)

Rita Rudner (Carol)

Si tuviera que definir, o resumir esta película con una sola palabra, diría que es entrañable.

Una película en la que el protagonista, Peter, tras la muerte de sus padres decide tomar la iniciativa de volver a reunir a toda la pandilla de la Universidad tras diez años de saber un poco los unos de los otros, pero no haberse vuelto a reunir desde entonces.

Peter lo hará con la mejor intención, para pasar un buen rato, para recordar viejos tiempos y para apoyarse en ellos en el mal momento de su vida que está pasando, pues las penas, con amigos, siguen siendo penas, pero menos.

Creo acertar si digo que el resultado es un éxito, pero no será un camino de rosas, pues en el par de días que se reúnen para celebrar la Noche Vieja y dar la bienvenida al Año Nuevo, será una carrera de obstáculos al ir poniendo cada cual su vida privada sobre la mesa.

Todos han ido saliendo adelante, en general bastante bien, pero sus corazones, en la mayoría de los casos, no han podido seguir el ritmo de sus cuerpos y de sus mentes. Y casi todos lo descubrirán en la Noche Vieja de 1992, al calor de la amistad, algunas copitas de más y en algunos casos tras alguna que otra aventura de más… O de menos.

Es una película que hace que aflore el crío que tenemos todos dentro. Pretende desabrochar el corsé de los convencionalismos y quitarnos las caretas delante de los amigos, ventilar miedos, complejos, anhelos del pasado y del presente, vergüenzas... Pues si en ellos no podemos confiar, apaga y vámonos.

Y eso hacen todos. Unos con matrimonios arruinados emocionalmente, otros con grandes pérdidas insuperables o por lo menos no superadas, otros que no han sabido cambiar el “chip” y siguen anclados en el pasado, otros que han madurado a golpes, otros casados con el éxito pero divorciados de la felicidad, otros con desórdenes alimenticos o sexuales y otros que han aprendido a enjuagar sus penas en el alcohol.

Una maravillosa película con una no menos maravillosa banda sonora. Acierto total cuando nos encontramos que minuto a minuto, la pelicula irá reviviendo las experiencias de los protagonistas rescatando la música de la década de los 80, perfectamente enmarcada ya desde el principio cuando los títulos de crédito nos muestran las instantáneas sociales y políticas más importantes de dicha década.

Kenneth Brannagh… En su línea. Para mi es un tipo con dos caras. La del gran actor, porque lo es, y la de la persona enamorada de si mismo que trata de robar protagonismo a todos los que le rodean en la pantalla. No puede evitar una y otra vez, asumir el peso de todos los guiones y emplazarse como la piedra filosofal de todos ellos resultando en ocasiones, repetitivo al interpretarse y reinterpretarse a sí mismo. Pero así con todo, gran trabajo el suyo y gran película nos ha brindado.

Stephen Fry: ¡fantástico!

Y Emma Thompson, gran dote interpretativa pero, (y con perdón), siempre me ha recordado a Mussy, la fraggle, y en esta película mas que nunca.

Hay momentos estelares, pero yo me quedo, sin dudarlo, con el paseo de Peter por el jardín con la canción Give me Strength de Eric Clapton, (“Dios mío, dame fuerzas para seguir…”).

Cuento de Navidad

2010-12-21T00:42:00.002+01:00

Ficha técnica

Título: Cuento de Navidad

Director: Robert Zemeckis

Año: 2009

Título original: A Christmas Carol

Nacionalidad: EE.UU.

Producción: Robert Zemeckis, Steve Starkey y Robert Presley

Duración: 98 minutos

Guión: Robert Zemeckis (Novela: Charles Dickens)

Fotografía: Alan Silvestri

Música: Doug Chiang

Ficha artística

Jim Carrey (Scrooge y los tres fantasmas)

Gary Oldman (Bob Cratchit y Marley)

Bob Hoskins (Sr. Fezziwig y el Viejo Joe)

Robin Wright (Fan)

Colin Firth (Fred)

Más de una docena de adaptaciones de Cuento de Navidad nos demuestran que estamos ante una obra que podrá cambiar en cuanto a la imagen y a los recursos técnicos con que se adapte en la gran pantalla, pero inmortal en si misma y fuertemente arraigada en nuestra memoria colectiva.

No puedo, ni debo, abordar la presente versión sin antes dejarme caer por la Inglaterra de la Revolución Industrial, en la segunda mitad del XIX. Una Inglaterra negra como el carbón, (como combustible que mueve a toda una sociedad), y deshumanizada hasta extremos indecibles. Una Revolución impulsada y financiada por la burguesía emergente a costa de un proletariado llevado al límite de sus posibilidades. La “masa”, como tal, era mano de obra abundante y barata; sin formar y carente todavía de herramientas sociales que las protegieran, (verdadero y único caldo de cultivo de los posteriores sindicatos).

Charles Dickens, escritor de la era victoriana, tal vez el más renombrado, por obras como la presente y otras tantas de marcado carácter social: o mejor dicho, de crítica social. Junto con Víctor Hugo, ambos contemporáneos, conscientes de la época que les ha tocado vivir, cada uno a su manera, y dentro de su tradición literaria, se encargarían de agitar conciencias y enarbolar banderas utópicas de la Revolución. Entre los dos nos encontraremos con títulos que a nadie se le escapan como: Tiempos difíciles, Oliver Twist, La pequeña Dornit, Los miserables y Nuestra Seóra de París, (la del jorobado). Dicho sea de paso, no pongo un “pero” a dichas obras, bueno, no pongo “demasiados peros”, salvo por las diferentes adaptaciones cinematográficas hechas por Disney de obras como El jorobado de Notre Dame cambiando el perfil del público y cebándose en los más pequeños.

Pues bien, es en este contexto donde se desarrolla el Cuento de Navidad, obra dura y entrañable convertida a golpe de moral en un clásico de estas fechas. Y digo “golpe de moral” pues de eso se trata, de reconvertir al mal en bien, de hacerle reflexionar y renegar de los comportamientos deshumanizantes como es el caso de nuestro protagonista: Scrooge, el tacaño por excelencia de nuestra tradición literaria.

Un Scrooge adicto al trabajo, (hoy sería un “workaholic”), obsesionado por le dinero y su trabajo, que no duda en triturar a su único empleado: Bob Cratchit, y por ende a toda su familia.

Nada más empezar la película tendremos una vista completa de qué nos espera, el ya mencionado despotismo de Scrooge hacia su empleado, y la rápida irrupción en escena de Fred, su sobrino, quien mantienen un tenso duelo emocional con Scrooge echándole en cara que no siente el espíritu de la Navidad, cosa que no niega el tío, sino que se limita a criticar por ablandar los corazones.

De vuelta en casa, Jacob Marley, su mejor amigo y socio le hará una visita. Hasta aquí todo normal, salo si tenemos en cuenta que Jacob murió siete años antes, y la visita la hace su fantasma para intentar salvar a Scrooge de la misma condena que tiene el encima al haber compartido los hábitos del protagonista. Le adelanta que recibirá tres visitas más: el fantasma de las Navidades Pasadas, el de las Presentes y el de las Futuras.

Tres visitas que irán encaminadas a reconducir a Scrooge y reconvertirle en la persona jovial que fuera de pequeño antes de ser sobrepasado la avaricia y su apatía y descontento con la sociedad.

La excusa para incluirlo en este blog de Cine y Gastronomía es el “pavo” que aparecerá en el transcurso de la obra: símbolo navideño de confraternización de la familia en torno a la mesa para compartir fechas tan señaladas, y símbolo de la reinserción moral de Scrooge.

Robert Zemechis nos ha deleitado con una versión atrevida del clásico. En su línea tras Beowulf, en donde experimentara con la animación en 3D y nos expusiera a las claras sus dotes como director e innovador.

Si temía ver esta película no era por su director, no, sino por el aglutinamiento de papeles interpretados por Jim Carrey, pero esas son manías personales, (quien me hiciera reconocer, no obstante, su valía en I love you Phillip Morrys).

Y sin embargo, sin restar méritos a esta versión, que los tiene todos, sigo quedándome con la protagonizada por los teleñecos.

Un verdadero canto a aprovechar las segundas oportunidades.

Días de vino y rosas

2010-11-25T10:23:00.002+01:00

Ficha técnica

Título: Días de vino y rosas

Director: Blake Edwards

Año: 1962

Título original: The days of wine and roses

Nacionalidad: EE.UU.

Producción: Martin Manulis

Duración: 117 minutos

Guión: J.P. Miller

Fotografía: Philip H. Lathrop

Música: Henri Mancini

Sonido: Jack Solomon

Productora: Jalem Productions

Distribuidora: Warner Bros. Pictures

Ficha artística

Jack Lemmon (Joe Clay)

Lee Remick (Kirsten Arnesen Clay)

Jack Klugman (Jim Hungerford)

Charles Bickford (Ellis Ernesen)

Cuando te crees que lo ha visto todo en el cine, tal es su grandeza que, de vez en cuando te encuentras con joyas como la que voy a comentaros hoy.

Inmerso en una espiral de falta de guionistas que sepan crear una historia de la nada, (es decir: original), y hartos de hacer explícita tanta sequía intelectual tirando de clásicos para versionarlos, imitarlos, plagiarlos, destruirlos, mancillarlos o recrearlos con exceso de medios y escasez de talento, da uno con una película como Días de vino y rosas y siente renacer la llama del séptimo arte en su interior arrullado por la música del incombustible Henry Mancini.

Esta película es un “sorbito amargo” de cruda realidad.

Y por tratarse de eso, de sorbitos, uno detrás de otro encadenados hasta la saciedad y desmesura, la comento en el blog de Cine y Gastronomía, puesto que todo empieza en una fiesta, se macera en una cena, se potencia con una pasión, (la que siente Kirsten por el chocolate), y te desgarra el humor cuando realmente descubrimos el tema de la película: el alcoholismo.

No desvelo nada que haga perder interés por la misma. De hecho el alcohol está presente desde el minuto uno, pero es tal la maestría de Blake Edwuards, que lo destila despacito y nos lo va presentando gotita a gotita hasta que la trama deja de estar latente y subyaciendo en el interior de los personajes y aflora violentamente desfigurándonos a los protagonistas; una pareja ideal.

Jack Lemmon hace una interpretación “redonda” de su personaje: Joe Clay. Un Dr. Jeckyll y Mr Hyde del mundo contemporáneo. Un encantador muchacho que compagina como puede su gusto por el alcohol y su incipiente carrera de relaciones públicas. Lo que no nos aclara Edwards en ningún momento es si se dedica a las relaciones públicas por su pasión por el alcohol, o si se da al alcohol por su trabajo como relaciones públicas… Yo desconozco el mundo del alcohol, el submundo, aquel en el que pierdes los papeles y el norte, pero viniendo de las relaciones públicas… Creo que me empiezo a hacer una idea del mal del protagonista.

Porque el “quién eres” puede llegar a estar marcado por el “qué eres” en la vida, y el de las relaciones públicas es un mundillo inescrutable, casi indefinible y difícil de acotar hasta por sus mismos profesionales. Esto hace que Joe no tenga ni idea de por dónde empezar a definir su trabajo cuando cena por primera vez con Kirsten, y que ninguno sepa explicar al padre de ella qué hacen en el sector.

Lamentablemente la película nos hace sentir mal con nosotros mismos, vemos una pareja preciosa que pierde el rumbo bajo los efluvios del alcohol, y cuando están sobrios ni son ellos mismos ni se reconocen.

Además, y precisamente, en el caso de Joe, serán esas relaciones públicas las que indirectamente le arrojen a la bebida, haciendo trabajos que ni él mismo digiere, necesitado de un “copazo” para acomodar su estómago, que no su conciencia, lavando la cara a quienes no lo merecen y hablando parabienes de sinvergüenzas de tomo y lomo trabajando para su éxito, y todo porque su firma está por encima de los valores y los preceptos morales, desprestigiando, sin saberlo, a la profesión y a la vocación.

Consumido por un mundillo descarnado en el que uno tiene que hacer la vista gorda ante las trampas de los que han de salvaguardar la dignidad y la integridad de sus clientes y competidores, metiendo los bigotes y la mano donde no les llaman, con flema (casi inglesa) sí, con tirantes y con malas artes de seminarista rebotado, también. Que si no participas de la trampa y miras en la trastienda, como mucho te meten un dedo en el ojo y te borran del mapa de un plumazo.

Huelga decir, eso sí, que sobrio o ebrio, es un mundo de notas de prensa sin igual.

La solución final

2010-11-05T13:27:00.001+01:00

Ficha técnica

Título: La solución final

Director: Frank Pierson

Año: 2001

Título original: Conspiracy

Nacionalidad: EE.UU.

Producción: Nick Gillot

Duración: 96 minutos

Guión: Loring Mandel

Fotografía: Stephen Goldblatt

Ficha artística

Kenneth Branagh (Reinhard Heydrich)

Stanley Tucci (Adokf Eichmann)

Brian Pettifer (Dr. Alfred Meyer)

Ewan Stewart (Dr. Georg Leibbrandt)

Colin Firth (Wilhem Stucart)

Jonathan Coy (Erich Newmann)

Owen Teale (Roland Freisler)

Ben Daniels (Josef Bühler)

Kevin McNally (Martin Luther)

Ian McNeice (Gerard Klpofer)

David Threlfall (Dr. Friedrich Wilhelm Kritzinger)

Nicholas Woodeson (Otto Hofmann)

Brendan Coyle (Heinrich Müller)

Peter Sullivan (Karl Eberhard Schöngarth)

Barnaby Kay (Rudolf Lange)

Reinhard Heidrich, (Kenneth Branagh), presidió el 20 de enero de 1942 uno de los “bufetes” más “crudos” de cuantos se hayan celebrado en nuestra historia.

Como aperitivo: un vino, probablemente francés, (por tinto y por haber ocupado gran parte de Francia), los alemanes siempre han producido vino, generalmente blanco por la escasa maduración de la uva debido al clima del norte de Europa. El vino alemán contiene azúcares residuales y escaso alcohol, amén de escaso paso por madera.

Un aperitivo que no endulza la naturaleza de la reunión de trabajo, (que en algunos momentos nos recuerda a Doce hombres sin piedad), cuyo objetivo es “limpiar Europa de judíos”, como quien purga las lentejas para quitar las piedrecitas.

Estados Unidos ha entrado en la guerra y los alemanes están estancados en el este, en la campaña de Rusia, en un combate “napoleónico” contra el mismo héroe que parara los pies al Emperador: el General Invierno.

En la reunión discutirán qué ha de hacerse con los judíos que plagan Alemania, a los que se suman los judíos de los territorios ocupados, (Austria, Polonia…), y sobre todo la amenaza fantasma de los cinco millones (estimados) de judíos soviéticos, (Alemania estaba convencida de la inminente anexión de Rusia).

Todo esto, aderezado con una sobredosis de ideología Nazi, (pues los presentes en la reunión son la flor y nata del Partido, de los diferentes ejércitos, del gobierno alemán, de la SS, de la Justicia...), con alguna voz discordante, eso sí, pero poco persistente dado el cariz de la reunión y la finura de los tertulianos.

En el almuerzo debatirán las posibles soluciones para “limpiar” Europa: exilio forzoso para los judíos, expatriación, reclusión, “evacuaciones”, alienación, esterilización, eutanasia e incluso exterminio: todas ellas soluciones válidas mientras aderezan el debate entre salchichas y jamón cocido… Las frases contundentes salpican el debate con gestos humanistas que afirman (Heidrich) cosas como: “la muerte es la forma de esterilización más fiable”, y se exponen cortapisas para un plan tan contundente de cara a la opinión pública y las repercusiones en la imagen de Alemania en el ámbito internacional: “matarles al margen de la Ley los convierte en mártires y esa será su victoria”, cosa que realmente sucedería tras la derrota de Alemania.

Es constante la comparación de la trituración de los judíos con las máquinas de hacer salchichas, esto justo cuando se empieza a preparar el servicio para disponer todo lo necesario en la mesa para poder almorzar mientras siguen debatiendo.

Autómatas capaces de saborear vino y delicatesen de la gastronomía teutona mientras se explica el concepto de cómo aliviar el peso judío a través del monóxido de carbono puro en cámaras de gas.

En definitiva, el objeto de incluir esta película en la sección de Cine y Gastronomía, no es tanto deleitarnos con las reflexiones gastronómicas y las escenas de cocina, que las hay, sino de la capacidad de los estómagos para digerir según qué cosas en determinadas circunstancias.

Cartel orignal de la película en Estados Unidos

Pesadilla antes de Navidad

2010-10-23T03:59:00.001+02:00

Ficha técnica

Título: Pesadilla antes de Navidad

Director: Henry Selick

Año: 1993

Título original: Tim Burton’s The nightmare before Christmas

Nacionalidad: EE.UU.

Producción: Tim Burton, Denise DiNovi, Luis Felipe Salazar Trejo

Duración: 76 minutos

Guión: Caroline Thompson

Fotografía: Pete Lozachik

Música: Danny Elfman

Montaje: Stan Webb

Vestuario: Penny Rose

No hay mas ciego que quien no quiere ver.

El rey de la noche, el rey de las calabazas, el rey del misterio y de la muerte, de ultratumba y de los muertos vivientes, Jack Skellington, “the Pumpkin King”: rey de Halloween, harto de vivir en la espiral de monotonía en la que está estancada su existencia, centrada, cómo no, en dedicar 364 días al año para preparar el siguiente Halloween, decide, sino por error, sí por casualidad, dar un giro a su estilo tras llegar, cosas del azar, a un cruce de caminos que le hará descubrir la ciudad de la Navidad.

Su mundo tétrico, oscuro, negro, lleno de sombras y habitado por los seres más fantasmagóricos que podamos imaginar, fruto de nuestra imaginación, el mundo que alimenta nuestras pesadillas y nuestros miedos; retorcidos y complejos, perversos y desgarradores, un mundo que él domina y al que somete, pues danzan sus protagonistas al son que Jack marca: le cansa. Hasta el punto que descubrir la ciudad de la Navidad hará que crezca en su interior un sentimiento de renovación y de superación que le hará trasladar los sentimientos del nuevo mundo descubierto al suyo… Y aquí empieza el problema.

Lo que se origina como un sueño de renovación y nuevos aires, se irá traduciendo minuto a minuto en una pesadilla. Y no podría ser de otro modo. Valores tales como el amor fraternal, el cariño hacia los que te rodean, el gusto de alegrar a los más cercanos y respetar a los lejanos en una tregua de amor y amistad, la tregua que marca la Navidad, redención y nacimiento de las esperanzas de la humanidad, conjugado con el placer de hacer soñar a los niños con un mundo ideal en el que la nieve sirve para dibujar angelitos con el cuerpo y los dulces caen del cielo… Este mundo idílico, que es nuestra Navidad, no puede ser entendido por las mentes retorcidas y perversas de los habitantes de Halloween, que sueños son, pero malos.

Jack llegará a Halloween con la sana intención de trasladar la Navidad y recrearla, pero con los elementos de Halloween, y claro, cuando en vez de duendes y elfos, nos encontramos con bichos decapitados, vampiros, hombres lobo y esqueletos danzarines… La Navidad, por muy bien que se explique, no se puede entender.

Y como punto álgido de la trama, al igual que Halloween tiene un héroe, el propio Jack, éste descubre al héroe de la Navidad, que no es otro que Santa Claus, y para colmo, decide secuestrarlo para sembrar de reglaos macabros su propia ciudad. En su maldad, no buscada, sino innata, al describir este nuevo mundo a sus conciudadanos, la versión inglesa de la película nos regala un juego de palabras delicioso, (la película está plagada de estos juegos, en inglés, por lo que la versión doblada pierde bastantes dobles y triples sentidos), al referirse a Santa Claus lo llama Sandy Claws, (garras arenosas), denotando la naturaleza febril y perversa, no de Jack, sino de Halloween, capaz de pervertir hasta al propio espíritu navideño.

Tan solo Sally, una aberración de trapo fruto de los experimentos del Dr. Flinkestein, enamorada de Jack, será capaz de ver y preconizar el fracaso de tamaña aventura, pero no logra disuadir a Jack, embebido en su ego y seguro de si mismo.

En un momento de la película, que por cierto es un musical, Jack asimila su error y entona una canción memorable “Poor Jack”, en la que se derrumba y renace una vez más lleno de soberbia, pero con el mismo deseo de hacer el bien, el cual se traduce en el intento de rescate de Santa Claus, quien permanece secuestrado por Oogie Boogie, el hombre del saco.

No nos confundamos, Jack solo desea el bien, pero desde su forma de entenderlo, algo macabro, lo que tiene por costumbre, y su lamento es porque nadie, ninguno de los suyos ha sido capaz de entender su mensaje ni el mensaje de la Navidad.

Decía que es un musical, y extraordinario, vertebrado por Danny Elfman, compositor de bandas sonoras de culto de películas como: Beetlejuice, , Batman, Eduardo Manostijeras, Misión imposible, Men in black, El indomable Will Hunting, Sleepy Hollow, Chicago, Spider-Man, Big Fish, Hulk, La novia cadáver, y Alicia en el país de las maravillas… Entre otras. Nótese su inclinación por el género fantástico y su constante merodear por la filmografía de Burton, quien le hizo debutar. Pero también es el compositor de melodías tan conocidas y reconocidas como Mujeres desesperadas y su obra maestra en la tele: Los Simpsons.

Uno, Dos, Tres...

2010-10-07T00:47:00.003+02:00

Ficha técnica

Título: Uno, dos, tres

Director: Billy Wilder

Año: 1961

Título original: One, two, three...

Nacionalidad: EE.UU.

Producción: I.A.L. Diamond, Doane Harrison, Billy Wilder

Duración: 115 minutos

Guión: Billy Wilder, I.A.L. Diamond (Novela: Ferenc Molnar)

Fotografía: Daniel L. Fapp (B/N)

Música: André Previn

Decorados: Alexander Trauner

Ficha artística

James Cagney (Sr. MacNamara)

Horst Buchholz (Otto)

Pamela Tiffin (Scarlett)

Arlene Francis (Phyllis)

El único obstáculo para poder decir que esta película es la gran comedia de Billy Wilder es tener que competir con una filmografía que incluye títulos como: El apartamento y Con faldas y a lo loco.

Comedia salvaje y trepidante, 115 minutos de infarto que atenazan y asfixian al espectador. El comienzo de la película es tan frenético que durante los primero quince minutos uno espera que la trama levante el pie del acelerador y se relaje: nada más distante de la realidad, el ritmo inhumano del Sr. MacNamara será el nexo entre una vorágine de personajes que revolotean a su alrededor como luciérnagas en un farolillo.

El Sr. MacNamara es un americano que trabaja y dirige la planta de Coca-Cola en Berlín, esperando todo el tiempo caer en gracia la central en Atlanta para lograr el puesto en Londres o bien regresar a Estados Unidos tras quince años haciendo meritos para Coca-Cola en todo el mundo. Esto provoca tensiones familiares pues su mujer hace años que desea regresar a su hogar y fundamentalmente, no quiere seguir siendo testigo de las aventuras indeseadas pero consentidas de su marido con sus secretarias: caldo de cultivo para enfrentar los intereses personales los profesionales.

MacNamara se encuentra a las puertas de entrar de lleno en el mercado soviético, desde Ucrania hasta Mongolia… Pues hablamos de los años de la Guerra Fría en los que las democracias occidentales libraban un pulso de paciencia y desafío con el poderoso oso rojo.

Con todo esto, ubicamos la película en Berlín, como dijera al principio, en el Berlin Occidental, europeo, libre del Comunismo. Sin embargo habrá una serie de saltos que nos llevaran de la zona capitalista a la comunista, en concreto unos saltos nocturnos y sigilosos que hará Scarlett noche tras noche para buscar muchachos y pasarlo en grande… ¿Scarlett?

Scarlett es la hija de la persona que puede decidir el nombre de quien dirigirá Coca-Cola en Europa, el puesto anhelado por MacNamara. Al principio de la película no solo le manifiesta su descontento con el propósito de MacNamara de expandir el negocio a los “rojos”, sino que le pide un favor personal: cuidar de su hija en su paso por Alemania durante dos semanas, (se alarga un par de meses). Scarlett resulta ser una chica inconsciente que se ve atrapada una y otra vez por muchachos que no convienen a la familia, de ahí su “viaje” a Europa, para distanciarla de un novio. Pues bien, llegara a Berlín y complicará la existencia al pobre MacNamara no solo conociendo a un muchacho soviético, del Berlín Oriental, sino además, casándose con él, a escondidas de sus anfitriones.

Esto originará una espiral de situaciones cómicas y trepidantes que se desarrollan en apenas 48 horas, plazo que tienen para: cerrar el negocio con los rusos, (incluye la posible venta de su propia secretaria), reventarlo después, encontrar a la chica que se fuga, sabotear al muchacho para que la policía alemana (soviética) lo tome por espía americano, rescatarlo, adecentarlo e instruir su mente, adoctrinada por los comunistas, para que a la llegada de los padres de Scarlett se haga pasar por un aristócrata y caiga en gracia y de paso no fulmine las expectativas personales de Mr. Macnamara.

Casi dos horas a un ritmo exagerado, por desbordante, que no mengua sino crece con el paso de los minutos sostenido de cabo a rabo por el protagonista y sus casi monólogos breves pero contantes.

Si a esto le sumamos unos rusos, (los compradores), de dudosa calificación moral, un muchacho que bebe los vientos por ir a vivir a Moscú y convertirse en ingeniero aeroespacial, una secretaria que se lo come a besos, un asistente que niega haber militado en el ejército Nazi, pero que se cuadra y taconea cada vez que saluda, unos empleados disciplinados, a la antigua usanza que cada vez que aparece el jefe se levantan en bloque, para su desesperación, y un periodista del corazón alemán, entrometido y escaldado, un reloj de cuco cuyo cuco es el Tío Sam, y unos policías rojos sobornables con Coca-Colas y una esposa con un humor ácido donde los haya… Comprenderán los lectores que pocas obras cómicas han sabido solapar carcajada tras carcajada como la que acabo de comentar.

Por no mencionar el final de la película, justo los últimos 5 segundos que hacen que la película termine en todo lo alto.

Gato negro, gato blanco

2010-07-14T14:22:00.001+02:00

Ficha técnica

Título original: Црна мачка, бели мачор Crna mačka, beli mačor, “Gata negra, gato negro”

Nacionalidad: Yugoslava (colboración francesa y alemana)

Producción: Karl Baumgrtner, Maksa Catovic

Duración: 135’

Guión: Emir Kusturica, Gordan Mihic

Fotografía: Thierry Arbogast

Música: Goran Bregovic, Voja Aralica, Dejo Sparavalo

Montaje: Svetolic Zajc

Ficha artística

Bajram Severdzan (Matko)

Jasar Destani (Zare)

Florijan Ajdini (Ida)

Salija Ibraimova (Didin)

Picaresca, miseria, pobreza, alegría, drama, comedia, amor, desamor… Adjetivos todos, válidos para catalogar a esta película incatalogable.

Si quisiéramos resumir toda la película en una sola palabra, esta sería sin duda: CONTRASTES.

Emir Kusturica, cineasta yugoslavo, retirado del cine por la crítica política a la que se le sometió en Francia tras su película Underground, vuelve a ponerse tras las cámaras para reflejar aquello que conoce, el mundo de los contrastes que salpican su ya “exyugoslavia”, ahora dividida política y religiosamente tras una guerra fraticida.

Pero hay algo que nunca ha cambiado, y que nunca lo hará. Tanto en su antigua nación, como en las circundantes, la vida caótica de la etnia gitana, sin fronteras, sin banderas, sin tierra y sin normas. Una sola cosa vertebra a este pueblo, el romaní, su lengua zíngara inamovible desde siglos atrás, vigente desde Portugal hasta Hungría y Bulgaria, con matices, pero inmutable.

Un pueblo romaní a caballo entre lo legal y lo ilegal, pero que ante la duda, establece sus propias leyes allá donde se acomode, como nómada y anárquico que es.

Y tal es el contexto de esta película,

Matko, un traficante de poca monta que se dedica a la estafa y al contrabando a orillas del Danubio. Estafador y estafado, pues sus pocas luces y sus pocos recursos limitan sus posibilidades.

En la película veremos cómo traza un plan para robar un vagón de gasolina y después venderlo: un plan perfecto. Perfecto salvo por algunos detalles: carece de respaldo económico para contratar los esbirros necesarios, lo cual hará que tenga que tocar una serie de palos, inventar la muerte de su padre para sensibilizar al patriarca de la zona, enriquecido con la venta de bebidas alcohólicas falsificadas, contratar a un matón y sus secuaces, enriquecidos con la droga y el tráfico de armas, cuando no de mujeres… Y después, confiar en todos ellos.

Estas son las piezas en torno a las que girará la película. Como bien dijera al principio, rayando la legalidad, pero desde el lado ilegal, haciendo justicia a golpe de pistola y presentando los contrastes propios de este pueblo, veremos constantes muestras durante la película, gente miserable que vive entre joyas fruto de la estafa, asesinos con palacios, verdaderos palacios, fruto del tráfico de drogas, humildes desdentados con fundas de oro.

Y la verdadera película tratará de amor, el amor de Zare por Ida, y las dificultades que tienen algunos gitanos para casarse con la persona que les ha robado el corazón, cuando se sobreponen los intereses familiares, los trapicheos, las deudas de familia y los asuntos pendientes, vulnerando cualquier ley europea, (en este caso), mercadeando con el matrimonio…

Todo inmerso en un surrealismo exacerbado y una banda sonora que desbordada al espectador por ser interminable, casi se diría que desde que empieza la película se escucha una canción que no termina de principio a fin. No es así, claro que he exagerado, pero la música será uno de los ingredientes de la película.

Ida trabaja en el restaurante de su abuela, y de aquí, junto con las múltiples escenas de banquete, comilonas e idas y venidas al bar, aparecerán todas las referencias a la gastronomía, mas bien a la elaboración de los platos y al servicio, pero si he de destacar alguna escena, por encima de las demás, es el paseo de los protagonistas “a bordo de un neumático” compartiendo un helado a la deriva por el río.

El río de la vida

2010-06-04T00:12:00.002+02:00

Ficha técnica

Titulo: El río de la vida

Título original: A river runs through it

Director: Robert Redford

Año: 1992

Nacionalidad: USA

Producción: Columbia Pictures

Duración: 123 minutos

Guión: Richard Friedenberg (Novela: Norman MacLean)

Fotografía: Philippe Rousselot

Música: Mark Isham

Ficha artística

Craig Sheffer (Norman MacLean)

Brad Pitt (Paul MacLean)

Tom Skerrit (Reverendo MacLean)

Brenda Blethyn (Srta. MacLean)

Emily Lloyd (Jessie Burns)

Edie McClurg (Srta. Burns)

Stephen Shellen (Neal Burns)

Nicole Burdette (Mabel)

Esta película no responde al 100% de los supuestos para formar parte esta sección del blog: la gastronomía vista desde el cine. Pues bien, cierto es, no habla de cómo se guisa este o aquel alimento, pero si habla, no es que hable, sino que se recrea en el noble arte de la pesca, un modo como otro cualquiera de llevar comida a la mesa.

Sin embargo, ésta película sí responde al sentimiento, al estilo de vida, al comprender la existencia de uno mismo a través de hacer lo que más te gusta.

Pero no hablamos de pesca, sin más. Se trata de pescadores puristas, "con mosca, a cola de rata". Y estas son palabras mayores. Cualquiera que se acerque un poquito si quiera a este mundillo comprenderá que hay muchos estilos y modalidades, pero sólo hay una disciplina digna de ser enmarcada dentro de la categoría de arte: la pesca con mosca de la trucha. Y cualquiera que sepa tan sólo esto, comprenderá que aquellos que practican éste deporte son personas introvertidas, amigas del placer individual que supone calzarse las botas, imbuirse en un mono de neopreno y meterse hasta el pecho dentro de las corrientes fluviales para abandonarse horas y horas rodeado tan solo por la naturaleza y buscando la presa más preciada.

Y para colmo, si hay un lugar mítico en el mundo para ésta modalidad, éste es sin duda Montana, cuna de la práctica y hogar de las mejores cañas para pescar con mosca.

Este será el ambiente de la película. Los protagonistas, fundamentalmente la rama masculina de la familia MacLean, compuesta por un pastor protestante y sus hijos, a los que instruye en la disciplina y el respeto tanto como en los diferentes pasajes de la Biblia, y con quienes comparte su gran placer.

Unos niños que aprenderán a vivir en medio de parajes de impresión aprovechando cada rato muerto y cada tarde libre para huir de la civilización.

Poco a poco, con el tiempo irán desarrollando sus propias técnicas y potenciando sus habilidades, tanto en la vida social como en su pasatiempo favorito. Norman, el hermano mayor será un estudiante ejemplar y profesor en ciernes. Paul será un muchacho asilvestrado y casi salvaje que antepondrá la pesca a todo lo demás en su vida.

Norman disfrutará del entretenimiento familiar, pero a la par irá desarrollando otras habilidades que cultivarán su faceta intelectual y le harán marchar a Nueva York para estudiar y ejercer su profesión.

Paul será diferente. Norman irá comprendiendo poco a poco que Paul ha nacido para pescar, con mosca y al estilo de cola de rata. Y no sólo aprenderá ésta complicada disciplina, sino que además irá desarrollando sus propias técnicas que lo elevarán a la categoría de pescador divino. Por ello decidirá estudiar y trabajar siempre en torno al río que le vio crecer, nunca se separará tanto como para no poder responder a la llamada del río y poder llegar a tiempo para pescar.

Un carácter fuerte, indomable y rebelde, que hará de él una persona de trato fácil pero de relación difícil. Cosa que Norman descubrirá cuando pase una larga temporada fuera de Montana y vuelva para encontrarse un panorama idílico en la fachada pero triste en la trastienda.

Robert Redford logra imbuir a toda la película en un ambiente asombroso de perfecto equilibrio con la naturaleza a través de un guión excepcional adaptado de la novela de Norman MacLean, el hermano mayor en la película, quien decidiera escribir la novela tras vivir lo que relata la película.

Cómo entrenar a tu dragón

2010-03-29T10:17:00.010+02:00

Título: Cómo entrenar a tu dragón

Título original: How to train your dragon

Dirección: Dean DeBlois y Chris Sanders

Año: 2010

Duración: 98”

Nacionalidad: USA
Porductora: Dreamworks

Esta es la historia de lo que le pasa a un muchacho normal cuando se enamora locamente de la vikinga mas vikinga de toda la historia.

De cómo el pobre, que no destaca en nada, pero pone empeño en todo, hará cuanto esté al alcance de su mano para retener la mirada de su amada, Astrid, y hacer que ella descubra que existe.

Astrid es la quintaesencia de una mujer vikinga: arrojada, directa, dura de pelar, valiente, no conoce el miedo, decidida y orgullosa. Esto en cuanto al carácter, porque si le sumamos que es arrebatadoramente bonita, blanca de piel, con una melena rubia que quita el “Hipo”, (casualmente, así se llama nuestro protagonista), unos ojos que paralizan y congelan, de un hermoso y profundo azul que bien valdría la pena arriesgarlo todo por sumergirse en su inmensidad… Pues entendemos perfectamente al pobre enamorado.

Así pues, Hipo, que para colmo es el hijo del jefe del Clan, Estoico, vikingo fuerte y ejemplar. Avergonzado de su hijo desde que naciera, al no responder a ninguno de los patrones de un vikingo, pues resulta enclenque y pese a su decisión, poco válido a la hora de hacer lo que todo vikingo ha nacido para hacer: luchar. Y en el caso de esta película, nada menos que contra dragones.

A partir de ahí, la película, dentro de su sencillez, encandila. Por original y divertida, por entretenida y enérgica.

Pues es bien cierto que los vikingos, más allá de la leyenda romántica que les convierte en feroces guerreros: lo eran. Aun más de lo que podamos imaginar. Y si no, que se lo pregunten a los pueblos europeos, que los padecieron durante siglos.

Desde Escandinavia hasta España hicieron de las suyas. Tomaron ciudades, asaltaron puertos, hundieron tantos barcos como se cruzaron, y los hay que hasta les otorgan el privilegio de haber sido los primeros en llegar al nuevo mundo, lo cual todavía está por verse. Pero no sería de extrañar, con sus drakar atravesaron mares y corrientes, remontaron ríos y burlaron vientos, llegando a someter a la corona inglesa obligándoles a pagar tributo e impuestos a cambio de no saquear sus aldeas costeras, el llamado “Danegeld”, (oro danés), fundando ciudades, como Jorvik, (actual York), en cuyo patrimonio encontramos ruinas y genes vikingos.

Unos vikingos que no conocían el miedo, que no se rendían jamás, que antes de aceptar que les retaran: retaban. Que por mucho defenderse usaban casco, escudo y cota de malla, eso los vikingos al uso, que sus guerreros más temidos, (y temibles eran todos), eran sus berserker, guerreros que usaban el hacha de doble filo de dos manos, y se arrojaban desnudos al fragor de la batalla. Eso sí, sin reparar en rebanar la cabeza a propios o extraños, que cuando entraba en éxtasis, el berserker no tenia más alma que la que le transmitía su hacha, y el ansia por cortar cabezas no frenaba su mano “fueras de los suyos o de los otros”.

La vikinga era una cultura que hacía de la guerra su motivo de existencia. Navegaban como los ángeles entre las nubes, pero siempre con el mismo fin: inyectar los ojos en sangre y arrancar cabezas a pares, que si en vez de dar la muerte, la encontrabas, era aun mejor; Valhala te esperaba con bellas valkirias para agasajarte en la mesa de los valientes…

Pues bien, en la película que nos concierne hay vikingos y hay dragones, dragones que hay que matar y exterminar, porque son enemigos declarados de todo cuanto se mueve…

Y en su muerte, o en cómo matarlos es en lo que emplean la mayor parte de su tiempo, entrenando desde chiquititos, como los protagonistas de la película, hasta convertirse en temerarios cazadores de dragones.

Recibir el escudo, el hacha y el casco… (Y por favor, para quienes vean la película, que nadie olvide percatarse de cuál es el origen del casco que usa Hipo, que es para hacer mención aparte, pero me lo callo por respeto a los que todavía no la han visto).

Pueblo pescador que gustaba de los ahumados como método para conservar sus arenques y salmones, (mencionaba antes Jorvik, o York: recomiendo visitar esta ciudad, así como el Jorvik Viking Center, un museo etnográfico que reproduce fielmente el origen de la ciudad reproduciendo una aldea vikinga en el subsuelo de la ciudad), ganadero y poco amigo de la agricultura, fundamentalmente por las escasas cosechas que arrojaban sus tierras sumidas en un invierno de nueve meses con una capa de nieve casi perenne.

Hipo da un paseo a Astrid en su montura negra...

Vemos en la película cómo beben cerveza como si fuera agua, cervezas, hidromiel y festines copiosos celebrando sus incursiones en territorios hostiles, no de otros clanes, en esta película, sino de los dragones. Dragones cuyo vínculo se logrará compartiendo el alimento: alimentar a tu mascota y mas aun, comer de lo que la has dado de comer hará que se superen las diferencias con estas criaturas.

Y todo esto, como decía al principio, enmarcado en el cuerpo de un muchacho que en principio, no vale para convertirse en guerrero, ni en cazador, pero que usará lo que más tiene, ingenio, optimismo compulsivo y un carácter de solucionador que hará que luche y luche por lograr su meta, pasando por los dragones que tenga que pasar, hasta lograr, (o morir en el intento), enamorar a su vikinga rubita y fierecilla que reparte estopa con la furia de un berserker.

Ratatouille

2010-03-15T00:20:00.002+01:00

Ficha técnica

Título: Ratatouille

Director: Brad Bird

Título original: Ratatouille

Nacionalidad: USA

Ano: 2007

Producción: Brad Lewis, John Lasseter, Andrew Stanton, Galyn Susman

Duración: 110’

Guión: Jan Pinkava, Jim Capobianco, Brad Bird, Emily Cook, Kathy Greenberg, Bob peterson

Música: Michael Giacchino

Editor: Darren Holmes, Stan Webb

Escenografía: Robert Anderson, Sharon Calahan

Productora: Pixar Animation StudioS

Distribuidora: Walt Disney

Oscar Mejor Película de Animación

“Cualquiera puede cocinar”.

Es el lema de Gusteau, el mejor cocinero de Francia, propietario del restaurante más famoso y próspero de la capital: Paris.

Gusteau morirá sin dejar descendencia, por lo que todo parece indicar que su restaurante recaerá en las manos de Skinner, el primer cocinero y socio, quien tiene planes perversos para aprovecharse del nombre del difunto y explotarlo en su propio beneficio, a base de ultrajar “la marca” de Gusteau preparando un siniestro plan de mercadotecnia en torno a la comida precocinada.

Pero todo esto lo cambiará una rata. Una rata miserable que vive en el falso techo de una casa del extrarradio, para tormento de una pobre anciana que mata ratas a perdigonazos. A perdigonazos y con veneno… Un veneno contra el que solo puede combatir la colonia de ratas, (familia de Remy, nuestra rata), utilizando su privilegiado sentido del olfato.

Un olfato que él sabe desperdiciado, pues anhela por sobre todas las cosas usarlo para distinguir los maravillosos aromas de los alimentos, y más aun, de los guisos y los platos que se pueden elaborar con éstos. Pues en su fuero interno, dentro de esa ratita, se siente cocinero, y su talento se manifiesta a través de una sensibilidad exquisita y un saber combinar los alimentos con la maestría de los mejores cocineros: pero dentro del cuerpo de una rata.

Y quiere el destino que Remy sea un admirador empedernido de Gusteau, de su cocina, de su modo de entender la gastronomía, y de su lema: “Cualquiera puede cocinar”. Remy tendrá sus mas y sus menos con su padre, un padre temeroso de que la pasión de Remy por la cocina le haga perder el norte e involucrarse en el mundo de los humanos, quienes no entienden otra relación con las ratas que la de su persecución y erradicación.

Una “mudanza involuntaria” hará que se pierda, que se separe de su padre, su hermano y la colonia entera de ratas y de con sus huesos en el restaurante de su ídolo. Pero no será esto todo, en el camino, desde las afueras hasta el restaurante, hará un amigo, que no será otro que el fantasma del propio Gusteau, el cual le ira incitando a cumplir su sueño, a su manera, claro. Que superar su complejo de ata no es moco de pavo.

Conocer a Alfredo Linguini y empezar a meterse en líos será todo uno. Linguini, un muchacho de pocas luces y menos dotes culinarias es el último eslabón del restaurante, friega suelos y lava platos… Sin más.

Se cruzarán cuando Remy meta sus mantas, (lavadas), en una sopa y hace de las suyas revolucionando a los clientes. Todos creeran que el artífice ha sido Linguini y deciden darle una oportunidad para elaborar platos bajo la supervisión de Colette.

Uno de los personajes más relevantes de la película será Anton Ego, crítico gastronómico que irá evolucionando conforme transcurran los hechos.

Un éxito de Pixar, Oscar a la Mejor Película de Animación, de gran gusto, para ver en familia con los niños o en pareja con una copita de buen vino, (si es español, mejor que mejor).

La carretera

2010-02-19T12:55:00.009+01:00

Ficha técnica

Título: La carretera

Título original: The road

Director: John Hillcoat

Nacionalidad: USA

Año: 2009

Guión: Joe Penhall (novela: Cormac McCarthy*)

Producción: Dimension Films

Duración: 111’

* Premio Pulitzer a la Mejor Novela de Ficción, 2009.

Ficha artística

Viggo Mortensen (Padre)

Kodi Smit-McPhee (Hijo)

Charlize Theron (Madre)

A veces, una vez cada mucho tiempo, te topas con una película que te deja sin habla.

Esa película es buena, muy buena. Si es capaz de hacer que claves tus uñas en el reposabrazos…

La carretera pertenece a este grupo de privilegiadas.

Vuelve a fluir la sangre por mis dedos.

De un realismo tal que resulta hiriente. Desconcertante. Me gustan las películas de acción, y un puntito de violencia hace que me recree con ellas: Hooligans, La naranja mecánica… Me gustan: soy así.

Pero esta película las sobrepasa… Sin apenas acción, he ahí su mérito. Violenta sin recurrir a la violencia gratuita de Stanley Kubrick, físicamente violenta, como la vida misma, no por placer morboso, sino por supervivencia.

Y dialécticamente violenta, no como El último tango en París, que lo es, pero cayendo en lo grotesco y depravado. Dialécticamente violenta porque los personajes hablan por su boca la cruda realidad.

De diálogos limitados, pues en la supervivencia, cada gesto inútil supone un gasto innecesario de energías. De excesos físicos rutinarios, pues La carretera nos plantea un viaje, un viaje hacia la supervivencia, partiendo de la desesperación, cruzando la desesperación, temiendo no llegar sino a la desesperación.

El mundo ha sido devastado. No se sabe por qué, pero Hillcoat nos lo muestra devastado. Adapta la novela de McCarthy con la ayuda de éste. Y un Pulitzer a la Mejor Novela de Ficción no se gana todos los días. Los que estén pensado ir a verla esperando un Mad Max o tonterías por el estilo de Waterworld, que se abstengan.

Un mundo arruinado, arrasado, quemado, mutilado… Naturaleza agonizante, civilización, (nuestra civilización), erradicada, y vuelta al Paleolítico en pos del fuego, el alimento inmediato y la lucha por la supervivencia.

Solo un matiz: nuestros predecesores, allá por el Paleolítico, vivían y sobrevivían. Y cada pasito que daban era para mejorar sus circunstancias. Esta película nos plantea un frenazo en seco, el final de una civilización y el esfuerzo de los supervivientes, pocos, todo hay que decirlo, por no morir de pena, de miedo, de frío, o de hambre. Los del Paleolítico no podían comparar su realidad con otra mejor superada, no. Pero estos hombres, los que aparecen en la película, tienen en su retina los últimos vestigios de una sociedad próspera en la que se criaron y de la que ahora se ven privados, y eso pesa. Pesa demasiado.

(Podríamos pensar que es una secuela, más seria y desarrollada, de Cuando el destino nos alcance, de Richard Fleischer, en otra onda, con otra lectura, con otros motivos, (desconocidos, como decía antes), pero latentes por palpables en cada escena. Es un hervor de más a la película de Fleischer, es el resultado, a largo plazo de los problemas planteados por éste.

Pero cruda.

En esta película no hay un detective, no hay una “aventura”. Hay personas de carne y hueso que matan y mueren por comer, y comen para despertar el día siguiente y volver a deambular buscando algo que llevarse a la boca.

Viggo Mortensen es uno de mis actores favoritos.

No ya por El Señor de los Anillos, que lo borda. Demuestra una capacidad interpretativa que se sale de lo común del panorama cinematográfico. Promesas del Este, Un paseo por la luna, Good, Alatriste, Una historia de violencia, Único testigo (al principio de su carrera)… Papeles tan diferentes entre ellos, interpretaciones camaleónicas en las que no interpreta, sino vive el personaje. Un actor, por fin, que no declama sino interpreta, que no se mete en “el papel de”, sino que lo hace suyo por derecho. No es actor a la española, no repite cual papagayo un guión aprendido y escupido, (de ahí su acertada selección, e increíble interpretación en Alatriste). Impregna al personaje con su carácter, y si el personaje carece de tal, entonces es un pusilánime, como si lo hubiera sido tda la vida. Un fenómeno interpretativo.

Hablaba antes de violencia dialéctica.

La carretera es dura, muy dura, no apta para estómagos sensibles. No porque haya violencia desmedida, que no hay tal, no porque sobren epítetos, que aparecen con cuenta gotas… Expresa sentimientos en estado puro, y esos sentimientos, si no los filtramos por un código ético, moral, duelen. El mundo de esta película ha quebrantado toda lógica posible, nos encontramos con un padre que ha de enseñar en poco tiempo el arte de la supervivencia a su hijo, un crío, un mocoso de primaria que cuando debería estar embutido en coderas, rodilleras, casco y montado en su bicicleta, está huyendo del mundo a la par que intenta encontrar un sentido para su existencia.

Hambre, hambre, hambre…

El hambre te mata. Por suerte sólo puedo afirmar esto en teoría. Pero ha de matarte, e impulsarte a lo mas bajo y mezquino, a buscar alimento para engañarte el estómago, a buscar una fuente de energías que te caliente en un invierno polar… El hambre es uno de los motivos en torno a los que gira esta película.

Y la carne, sea de ciervo o de mujer es una fuente de energía.

Un mundo en el que el hombre es depredador y depredado, que mata para comer, y muere para ser comido… Un panorama en el que ser hombre no es indulto, ser niño es ser un bocado tierno, y ser mujer es ser objeto de codicia, para poseerlo y después comerlo.

Un mundo sin héroes, en el que das la espalda a una mujer que va a ser violada, asesinada y devorada, junto con su hija. El tiempo que empleen en ella, son kilómetros que poner entre tus posibles asesinos y tú…

Así de cruda es esta película.

Airbag

2010-02-04T17:41:00.001+01:00

Ficha técnica

Título original: Airbag.

Nacionalidad: España

Producción: Iñaki Burrutxaga, Adrian Lipp

Productora: Asegarze Cinema, Road Movies, Marea Films

Duración: 120’

Guión: Juanma Bajo Ulloa, Karra Elejalde, Fernando Guillén Cuervo

Fotografía: Gonzalo F. Berridi

Música: Bringen Mendizábal

Ficha artística

Karra Elejalde (Juantxo)

Fernando Guillén Cuervo (Konradín)

Alberto San Juan (Paco)

Manuel Manquiña (Pazos)

María de Medeiros (Fátima do Spirito Santo)

Francisco Rabal (Villambrosa)

Rosa María Sardá (Aurora)

Luis Cuenca (Souza)

Pilar Bardem (Dueña de puticlub)

Karlos Arguiñano (Serafín)

Albert Pla (Cura)

Vicenta N’Dongo (Vanessa)

Fernando San Segundo (Touriño)

Santiago Segura (Candidato político)

Goya Mejor Montaje y Goya Mejores Efectos Especiales

Airbag es una película cómica del subgénero “Road Movie”, (película de carretera), esto es, no tiene un escenario fijo y los personajes se van desplazando según transcurre la acción.

Tal es el caso de Airbag, una película que se centrará en torno a un anillo perdido durante una despedida de soltero, y las aventuras de un grupo de amigos intentando recuperarlo.

Este grupo, Juantxo, Konradín y Paco, celebran la despedida de soltero del primero, Juantxo, quien a las puertas de su boda se ve embaucado para visitar un club de alterne como despedida de su soltería. Él no está convencido, más bien se siente opuesto a la idea, pero los amigo, unos golfos adinerados se lo llevarán a rastras y entonces: pecará por un “ósculo”.

Y su pecado será doble, por un lado porque conocerá a una chica y con ella descubrirá un mundo nuevo de placer y sensaciones, por otro porque en ese conocimiento y reconocimiento perderá el anillo de pedida, decenas de millones de las antiguas pesetas en joyas, oro blanco y piedras preciosas. Ni que decir que ambas familias, la de Juantxo y la de su prometida son la flor y nata de la jet set.

A partir de este punto entrará la idea de la “película de carretera”, puesto que los protagonistas, (lo mejor de lo mejor de la sociedad), se verán mezclados con prostitutas, proxenetas, traficantes de drogas, policías corruptos y degenerados, matones de poca monta, camellos de pocas luces y asesinos a sueldo, (lo peor de lo peor de la sociedad).

Irán de club en club, buscando al proxeneta en cuyo poder está el anillo. Pero lo mejor de todo es que encima los tomarán por profesionales en la materia. Unos creerán que son traficantes y otros que son matones, el caso es que irán sorteando todos los riesgos de club en club sin saber a qué se están enfrentando (ellos sólo aspiran a recuperar el anillo antes de la boda), sin ser conscientes de quiénes los persiguen ni de quiénes los esperan a cada paso que dan.

Además es una película transgresora, no pone paños calientes y saca a la luz lo más mezquino de sus protagonistas así como de los escenarios en los que se desenvolverá la película, (tristes por otro lado, si tenemos en cuenta que tanto las drogas como la prostitución están presentes en todas nuestras carreteras, ilegales, sí, pero permitidas, esclavistas, pero consentidos).

Un guión de infarto, por la velocidad con que se desarrolla, original y novedoso, unos personajes / actores que lo bordan y la colaboración de figuras de la televisión de los años 90, de entre quienes me atrevería a destacar a Karlos Arguiñano, Serafín, el padre ludópata de Juantxo.

Mención a parte la de Arguiñano… Sobre todo al principio de la película, cuando participa en una partida clandestina… No de ruleta rusa, no, sino de “tortilla rusa”, en la que los comensales apuestan altas cantidades de dinero para ver quién sobrevive a una tortilla envenenada con setas, según dicte el azar, una envenenada entre varias que no lo están. Y su aplomo pidiendo buen vino para acompañarla, que si hay que palmar, que sea con buen gusto.

La comida irá apareciendo a pinceladas, de vez en cuando, pues no es el tema central de la película, ahora bien, cuando lo haga, entre gallegos, (principalmente, pues también los habrá vascongados), serán grandes manjares, grandes fiestas y mariscos para todos…

No puedo dejar de mencionar el “Cameo” que hace el Sr. Lehendakari con RH que acredita su derecho a tal…

Esta película no pasará a las enciclopedias de cine. No. Pero tiene chispa, hace gracia, y cuenta con la participación de un nutrido número de actores y personajes públicos de la pantalla española.

Hay interpretaciones magistrales, como las de los tres protagonistas, por no mencionar a Rosa María Sardá (aurora), Pilar Bardem, (que borda con maestría el papel de dueña de un puticlub), Albert Pla, que no tengo palabras para describir su papel, por irreverente e hilarante, sin desperdicio…

Película golfa donde las haya, bien salpicada de ingredientes picantes, un guión rompedor, e irreverencias varias que tomadas con gracia y sentido del humor nos harán pasar un buen rato.

El submarino

2010-01-27T12:01:00.002+01:00

Ficha técnica

Título: El Submarino

Director: Wolfgang Petersen

Año: 1981

Título original: Das Boot

Nacionalidad: Alemania

Producción: Bavaria Film

Duración: 150’

Guión: Wolfgang Petersen (Novela: Lothar-Günther Buccheim)

Fotografía: Jost Vacano

Música: Klaus Doldinger

Ficha artística

Jürgen Prochnow (Capitán Heinrich Lehmann-Willenbrock)

Herbert Grönemever (Teniente Buchheim)

Klaus Wennemann (Johan, "el Fantasma", jefe de máquinas)

Si tuviera que quedarme con tres películas en mi vida, sin duda alguna El submarino se encontraría entre ellas. Acompañada por El padrino, de Francis Ford Coppola, (la primera), y El séptimo sello, (Ingmar Bergman). Y por este orden, pues casi podría dar por seguro que la que hoy nos concierne es mi película favorita.

El sónar…

Nada mas empezar la película, el primer sonido que escuchamos, antes incluso de ver imagen alguna es el sónar, un pitido agudo que taladra los tímpanos, la paciencia, los nervios y la entereza de la tripulación.

Escuchar el sónar es saberse vigilado, perseguido, acechado, y marcado a muerte por los buques destructores aliados que patrullaban por la superficie en busca de los U-Boats alemanes con la noble intención de hundirlos en el fondo del océano.

Hitler impulsó la fabricación en serie de estos submarinos, latas de conservas humanas que plagaban el Atlántico, primero para boicotear a las islas y mantenerlas en jaque sin suministros alimenticios, y segundo, cortando las cadenas de suministros con los Estados Unidos, en su fase de "preguerra", en la que si bien todavía no habían declarado la guerra a Alemania, sí abastecían a los aliados con material bélico, voluntarios (estadounidenses y canadienses), y alimentos. Una vez envueltos en el conflicto, los alemanes extendieron sus tentáculos haciendo incursiones hasta el Golfo de Méjico y añorando emerger en Nueva York.

Podría haber incluido esta película en la sección de Periodismo y Cine. Uno de los personajes, el Teniente Buchheim, es corresponsal de guerra, y tiene como misión informar de las vivencias de la marinería en los buques de guerra, así como de confirmar que la moral bélica no decae y la lealtad al Führer se mantiene intacta.

Al principio de la película hay unas líneas que enmarcan la escena, explicando que de los 40.000 marineros que se embarcaron en esta aventura, murieron 30.000. Empresa funesta y lapidaria donde las haya. De ahí la primera escena, en una taberna de la Rochelle, en la Francia ocupada, en la que el alcohol rezuma por los poros de aquellos que van a embarcar, destinados a morir, y como mucho a sobrevivir hasta la siguiente misión.

La edad de las tripulaciones iría menguando sistemáticamente en función de las cuantiosas bajas y la siempre creciente demanda de carnaza para alimentar la propaganda. El Capitán pedirá al Teniente, (corresponsal de Prensa), al principio de la película, que no haga las fotos a la tripulación al inicio del viaje. Porque son unos niños, que espere a la vuelta, para que tengan barba, y razona que no quiere vejar a los ingleses mostrándoles el rostro imberbe de unos niños que son los que les traen por la calle de la amargura.

La segunda escena te sitúa de lleno en el marco en que se desarrollará la acción. El Teniente irá recorriendo el submarino, de por si estrecho, precario, en el que le harán saber que el buque dispone de un aseo para cada 50 hombres, comparten las literas por turnos, comen donde duermen, y comparten todo con el objeto de no acumular trastos innecesarios.

Todo el recorrido por el buque se hará sorteando comida. Tienen tanta como permite el reglamento, y más. Cada espacio libre, cada camarote, cada resquicio en la sala de máquinas, y en la sala de torpedos, y hasta en el puesto de mando veremos fruta, bebida, costillares adobados, embutidos, latas de conservas y panes, (la misma litera del teniente, que por ser invitado, dispondrá de litera propia, está abarrotada de panes).

El detalle de la comida no es “pecata minuta”.

Cuando uno navega aprende nuevas sensaciones. En un barco, la condensación de la humedad puede llegar a ser tal que la transpiración es continua. Uno se humedece hasta el tuétano, no en sudor, que también, sino en humedad, pura y dura. Pero un velero, un catamarán, un barco de superficie tiene la ventaja del aire, se puede abrir una escotilla y el aire, por poco que sea, corre, y si no corre, se aplaca la condensación y los olores y humedades se esfuman, aunque poco, pero entra oxígeno.

En un submarino no existe tal posibilidad. Las inmersiones, las navegaciones se hacen por lo general bajo el nivel del mar, en “estado de guerra”, y esa condensación tiene que hacerse insufrible. Obviamente los sistemas de ventilación han ido mejorando con el paso del tiempo, pero recordemos que hablamos de la segunda guerra mundial, de submarinos prácticos, por versátiles, pero incómodos. Estaban diseñados, no para la comodidad de la tripulación, sino para sacar el máximo rendimiento a las miles de toneladas de hierro hueco cargadas de torpedos, almas humanas, sueños apilados en las escotillas y desesperación, cuando no el gran enemigo: la claustrofobia.

Pues bien. Los alimentos sudan, como nosotros.

El pan suda y se humedece, cubriéndose de moho.

El embutido suda, rezuma su grasa, pegajosa, olorosa, pringosa y se pega a las paredes de las fosas nasales.

Las frutas sudan, y se pudren, como las verduras, y al pudrirse, apestan.

Sumemos cincuenta personas que se lavan cuando se lavan, es decir, pocas veces por falta de medios, (me explicaba un amigo que las tripulaciones alemanas llegaron a tener que labarse con aceite de motor, por esasez d eagua). Pensemos en cincuenta personas o con una actividad frenética esperando a cada instante que una mina les haga reventar, que un torpedo enemigo les parta el buque por la mitad, que un barco suelte una carga explosiva que les trepane los tímpanos, que no funcionen los motores y se queden encallados a cien metros de la superficie, que tengan que dosificar el oxígeno y compartir las botellas, sumemos el peso de las ideologías languideciendo y minando la moral, sumemos el miedo a la presión del agua, capaz de aplastar la masa de hierro como sifuera una lata de refresco, y sumemos una vía de agua sin que la bomba funcione y tengan agua hasta las rodillas… Sumemos todo esto y cómo se manifiesta corporalmente en la tripulación, condensando el ambiente, oprimiendo los sentidos y abofeteando las conciencias.

Todo esto lo refleja Wolfgang Petersen con la mayor de las maestrías en esta película, todo esto y más, pues nos transmite los sentimientos, las emociones…

El enamorado porque quiere volver a los brazos de su amada que le espera en tierra, el cobarde quiere salir a superficie, aunque sea a nado y reventándole los tímpanos, el héroe se hunde en su impotencia al no poder hacer nada, el “fantasma”, Johan, en la película, el Jefe de Máquinas, un lobo de mar, un profesional, imperturbable, es presa de un ataque de histeria… Todo lo lógico en superficie carece de sentido bajo el agua, y todo lo ilógico, cobra sentido al responder a la última llamada del ser humano, la desesperación.

La película se podría dividir en dos partes, “hasta Vigo y después de Vigo”, pues se acercarán al puerto de Vigo, (España era neutral en la segunda guerra mundial), para compartir mesa y mantel con la tripulación de otro barco, (solo los oficiales), y es ahí cuando recibirán el encargo de la verdadera misión, suicida, la de atravesar el Estrecho de Gibraltar en manos de Su Graciosa Majestad, un campo de minas, sin profundidad para sumergirse, sin ancho para poder evadirse, sin esperanza para llegar al destino: una telaraña de buques, fragatas, minas de superficie y cargas de profundidad. Hasta ese momento, formaban parte de las misiones "Manada de lobos", operando enel Atlántico Norte, entre los Estados Unidos y Escocia.

Al partir de Vigo veremos nuevamente el barco repleto de nuevos alimentos, (entre ellos, vemos estivados docenas de plátanos de Canarias, en tuberías, y donde sea), el bien mas preciado, por escaso, obviando el oxígeno, por supuesto.

La humanidad de los personajes es sobrecogedora, su respeto hacia el enemigo, su temor y su orgullo… Hay una escena con un destructor británico que encoje el corazón y te lo estruja en la oscuridad de la noche en el mar. Hay persecuciones en las que el submarino huirá como un zorro acosado por los lebreles…

Desde el minuto 1 al 150 se trata de una obra de arte cinematográfico. Optó a seis estatuillas en los Oscar y supuso el trampolín, para su director, al cine americano.

Lo que el viento se llevó

2009-12-15T22:31:00.003+01:00

Ficha técnica

Título: Lo que el viento se llevó

Título original: Gone with the wind

Director: Victor Fleming, George Cukor, Sam Wood, William Cameron, Reeves Eason

Año: 1939

Nacionalidad: USA

Producción: David O. Selznick

Duración: 224’

Guión: Sidney Howard, (Novela: Margaret Mitchell)

Fotografía: Ernest Haller

Montaje: Ernest Haller

Música: Max Steiner

Escenografía: Edwuard G. Boyle

Vestuario: Walter Plunkett

Ficha artística

Clark Gable (Rhett Butler)

Vivien Leigh (Scarlett O’Hara)

Leslie Howard (Ashley Wilkes)

Olivia de Havilland (Melania Hamilton)

Premios: Oscar a la Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actriz, Mejor Actriz de reparto, Mejor Guión Adaptado, Mejor Dirección de Arte, Mejor Fotografía, Mejor Montaje. Premio en Memoria de Irving Thalberg y Oscar Honorífico.

OBRA DE ARTE, SUBLIME E IRREPETIBLE. UN REGALO PARA LOS AMANTES DEL CINE.

“A Dios pongo por testigo, a Dios pongo por testigo de que no lograrán aplastarme. Viviré por encima de todo esto, y cuando haya terminado, nunca volveré a saber lo que es hambre, no, ni yo ni ninguno de los míos. Aunque tenga que estafar, que ser ladrona o asesinar. A Dios pongo por testigo de que jamás volveré a pasar hambre”.

Si hay una película romántica, por antonomasia, ha de ser esta, y para románticos empedernidos, sin duda.

Pues romántica es, como ninguna otra.

Por muchos motivos: romántica por la historia de amor de Scarlett O’Hara, una muchacha acomodada que se ve inmersa en la guerra de secesión de los Estados Unidos, (en la que dos modelos de economía se enfrentaron a muerte), e inmersa entre dos amores, el de toda su vida, y el de un apuesto comerciante que se enamora de ella “hasta las trancas”.

Es una muestra de que el buen cine, el Cine con mayúsculas, no envejece. Una película que pude verse una y mil veces sin que resulte repetitiva y tan nueva y magnífica como en el año de su estreno, 1939, total no ha llovido, 70 años han pasado hasta hoy, 15 de diciembre, día de aniversario. En España estábamos a tiros mientras en Estados Unidos recreaban su propia guerra civil.

No hay subvención alguna que acredite un éxito como el de esta película. El buen cine se hace a base de ingenio, de esfuerzo, sacrificio, tiempo y dinero, claro está, pero para eso, hay que trabajar, y trabajar duro. Hay que saber buscar el dinero, y no en una ventanilla pública poniendo la gorra a costa del contribuyente, no. Sabiendo buscar apoyos, rascarse el bolsillo y apostar, que solo los que apuestan ganan, y tal es el caso de esta película.

Dos modelos económicos enfrentados, el agrícola y tradicional de los estados del Sur, tradicionales, ricos y conservadores, contra el industrial del Norte, expansivo y que supo usar con maestría el motivo “secundario” de la abolición de la esclavitud para ganarse la opinión internacional.

Que en los estados sureños había esclavitud, pues claro. No se puede negar, pero no en los años de la guerra civil, sino casi hasta los años 80 del pasado siglo. Era una forma de entender la vida, el latifundio necesitaba abundante mano de obra, y barata, por añadidura. Y los sureños no habían inventado este tipo de economía, pues esclavos los ha habido siempre, desde que el hombre es hombre, el fuerte ha sometido al débil, en cualquiera de las culturas que han existido, salvo en el presente, (por no mencionar regímenes autoritarios de moda en nuestros días, u oxidadas maquinarias de bandera roja que siguen perpetuándose).

Pero el caso es que en la película se refleja el enfrentamiento entre estos dos estilos de vida, dos sentimientos dispares y dos maneras de vivir. No seré yo quien juzgue a una u otra, solo me agarro al sentimiento romántico del sudista que ve cómo se le impone desde fuera una política y una economía, cuando no una sociedad y luchará hasta la muerte por defender la suya, con menos medios y menos almas.

La segunda lucha, la del corazón, es la que interpretará Scarlett O’Hara debatiéndose entre el amor al que siempre ha querido, con el nuevo y recién aparecido, Rhett Butler, como dijera al principio, un hombre que gusta de jugar fuerte, de principios, “sus principios” firmes, quien gusta de apostar, para ganar, siempre para ganar.

Los cinco directores que participaron en el rodaje, las mil cuatrocientas entrevistas que se hicieron para seleccionar a la actriz que interpretaría a Scarlett, las escenas del incendio de Atlanta, en las que lo que realmente arde es el decorado de King Kong, las dificultades para hacer llorar a Clark Gable delante de una pantalla, los diez Oscar, los premios que ganó en todo el orbe, su paso de puntillas por la censura española de nuestra postguerra, la gran apuesta económica que supuso al invertirse 50.000 dólares de la época, y los 400 millones que recaudó, sin duda son elementos, decenas de ellos que alimentan la leyenda de una de las películas más grandes que jamás se hayan filmado.

Pero ninguna de esas cosas pasa por encima del orgullo de una mujer luchadora, hermosa, bella, fuerte, orgullosa y fabulosa, que no dará su brazo a torcer en las adversidades, ejemplo de mujer, ejemplo de persona, aprendiendo a hacer una lectura positiva de cada revés que le da la vida y dispuesta a cualquier cosa por sacar a los suyos adelante.

La ciudad no es para mi

2009-11-15T17:23:00.003+01:00

Ficha técnica

Título: La ciudad no es para mí

Director: Pedro Lazaga

Año: 1965

Nacionalidad: España

Producción: Pedro Masó

Duración: 101 minutos

Guión: Pedro Masó, Vicente Coello (Novela: Ángel Lozano)

Fotografía: Juan Mariné

Música: Antón García Abril

Decorados: Antonio Simont

Ficha artística

Paco Martínez Soria (Agustín (padre))

Doris Coll (Luchi)

Eduardo Fajardo (Agustín (hijo))

Gracita Morales (Filo)

Alfredo Landa (Genaro)

Sazatornil (viandante)

Magnífica película. Magnífica y entrañable.

De aquellas que te arrancan una sonrisa mientras te arrancan un suspiro.

De las que da gusto recostarse en el sofá para entregarse a ellas y olvidarse de todo. De aquellas que saben a familia y huelen a pueblo. De las que nos remueven las entrañas al presentarnos los contrastes de nuestra reciente historia.

La urbe frente a lo rural.

El frenesí frente al relajo.

Lo turbio frente a lo claro.

Lo impersonal del anonimato frente a la ternura del vecino con nombre propio, apellidos y vida en común con su comunidad.

El comienzo de La ciudad no es para mí es un homenaje para todos aquellos valientes que hicieron las maletas y se adentraron en la “jungla de asfalto”. Para todos aquellos que vieron diluirse sus apellidos según se amoldaban a lo impersonal, a lo gris, oscuro y frío, al neón y las carteleras, (y por cierto, se ve de soslayo, un cine, El Coliseum, anunciando La familia y uno más, curioso, ¿verdad?).

Ver a Sazatornil de acá para allá, en el comienzo mismo de la película es hilarante, impresionante, sobre todo, lo mejor, cuando el narrador se dirige a él y le pregunta:

Narrador: Espere hombre, ¿a dónde va?

Saza: A la otra oficina…

Narrador: ¿tiene dos empleos?

Saza: No señor, ¡cinco! (abriendo la mano) Si no ¿de dónde iba a sacar para el televisor, la nevera, el veraneo el colegio de los niños, y el 600?

Narrador: ¡Pero así no va llegar a viejo…!

Saza: ¿Y a Vd. Qué le importa?

Narrador: Nada hombre, ¡perdone!

Saza: Perdonado, (descubriéndose la cabeza).

Arranca el 600 y sale a toda prisa…

¡Cinco empleos!, y los hay que se quejan por tres, o por cuatro, seremos inconformistas… Claro, que entonces, había empleo, no como ahora.

La película empieza haciendo una radiografía del Madrid de 1965, “110.853 baches y socavones” dice el narrador. Cierto es que a diferencia de la película, Madrid tiene menos de éstos, pero sigue abierta por los cuatro costados, obras necesarias, obras que se solapan, obras que se olvidan cerrar, obras caóticas, obras despóticas, obras a deshora y un Colón mareado al que tendremos que rodear para evitar estamparnos al recorrer la Castellana, que si el camino más correcto, el más inteligente, es la línea recta, nuestros prebostes se afanan en cortar el tráfico en el corazón de la ciudad y en sacarse rotondas donde antes había una línea recta, de “A” a “B”, pasando por mil semáforos.

Pero no menos divertido es escuchar al narrador, “y multas, ¡muchas multas!”, es que no evolucionamos.

Vistas panorámicas de la Casa de Campo, el Paseo de la Florida, Príncipe Pío, anterior Estación del Norte, Plaza de España...

Como contraste tenemos Calacierva, de la provincia de Zaragoza, de donde es natural Agustín Valverde Requejo, (Paco Martínez Soria), que parte para la capital para encontrarse con su hijo. La sola escena en que intenta atravesar la calle por medio del tráfico, con el cuadro de su mujer, “la Antonia” en ristre, la maleta y las gallinas que se trae del pueblo, y un guardia urbano, Manolo Gómez Bur, intentando hacerle razonar el funcionamiento de los semáforos.

Fierecilla entre urbanitas, atrapado en un Madrid inmisericorde, tritura personas y voluntades.

Este es el comienzo de una de esas películas entrañables que nos hacen sentir orgullosos de nuestras raíces, de los nuestros y de todos aquellos que se esforzaron por darnos a nosotros, las generaciones posteriores una vida mejor.

Y Filo, (Gracita Morales), impresionante, cuando dice “tanto Luchi, tanto Luchi ¡y se llama Luciana!”, al encontrarse ésta, su nuera con Agustín, en casa de su hijo, el mismo día que espera a las marquesas para cotillear y leerse las cartas de los “amigos”.

En la primera escena en que Agustín y su hijo, también Agustín, recuerdan cómo su madre le decía al ir para Madrid, “a ver qué te dan de comer en la ciudad, que estás tan delgaducho…” Mientras observan un retrato suyo que ha sustituido a un Picasso en el salón.

Agustín (padre), llegará a la ciudad cargando con dos gallinas y un queso (curado durante un año en aceite de oliva), y tendrá una conversación con Filo, alabando la comida tradicional, (mientras ella devora el queso), y comparando la gastronomía “de pueblo” y las latas de conservas de la gran ciudad. Conversaciones que se irán repitiendo para ir comparando el modo de vida rural y urbano.

Empieza pues su “acomodo” y estrecha su relación, primero con su nieta, que lo “saca de paseo” con sus amigos, lo lleva a guateques, lo invitan a subir a la sierra, lo mejor de todo Madrid, con su aire sano y su sol radiante, sus bosques verdes y su nieve blanca.

Nunca entenderá cómo su hijo se abstrae de toda la vida social, familiar y de todo lo que sea ajeno a su profesión, claro que le hace una revisión completa al padre, para sorprenderse al descubrir que tiene una salud de roble.

Parece mentira que le “sisa” a su hijo veinte duros, (lo de sisar es un decir, pues es el hijo el que le pone la cartera en la mano), para invitar a merendar a su nieta.

Cada cual tendrá su dilema. El padre, el hijo, la nieta, la mujer de su hijo y hasta la asistenta, que no podrá volver a su pueblo, (muy a su pesar), por tener “una carga” con la que no se puede presentar en casa. Fruto de un “Tenorio” aficionado, Genaro, el huevero para más detalles, (Alfredo Landa), quien se entera de su casamiento como tantos, el último. No podemos perdernos cómo abre la zarpa en la iglesia cuando el cura dice “el novio puede tomar la mano al a novia”. Claro, que no se queja tanto con las cenas que se da en la cocina de los Señores…

La tienda de los horrores

2009-10-29T11:12:00.006+01:00

Ficha técnica

Título: La tienda de los horrores
Título original: Little Shop of Horrors
Director: Fran Oz
Año: 1986
Nacionalidad: USA
Producción: Warner Bros.
Duración: 94’
Guión: Howard Ashman
Fotografía: Bob Paynter
Música: Miles Goodman (canciones: Alan Menken)

Ficha artística

Rick Moranis (Seymour)
Ellen Greene (Audrie)
James Belushi (Patrick Martin)
Steve Martin (Orin Scrivello, dentista sádico)
Bill Murray (Arthur Denton, Paciente masoquista)
“Planta” (Audrie II, voz de Levi Stubbs en inglés)
Stanley Jones (Narrador)

Probablemente una de las mejores ofertas para pasar una gran noche de Halloween con unas palomitas, una manta escocesa y una Coca-Cola… ¡A carcajada limpia!

La película de 1986, (la que comentaré hoy), es una adaptación de la original de 1960, de Roger Corman, que pasó por el cine sin pena ni gloria, cosa injusta, porque en muchos momentos supera a la adaptación.

Pero, ¡ay amigos!

La película del ’86 reúne una serie de aspectos que hizo que se convirtiera en una película de culto.

Para empezar, nos encontramos con un musical “redondo”, con una banda sonora a ritmo de Rock & Roll que te levanta del sillón. La música de Miles Goodman vertebrará toda la película, la cual ofrecerá coreografías sencillas, sin pretensiones, que irán hilvanando las diferentes escenas, a modo de coro, (bebiendo de la tragedia griega, aunque me permitiré decir que nadie ha plasmado mejor esta imagen que Woody Allen en Poderosa Afrodita, es decir, miles de años después, y no hemos avanzado nada), como nexo y para mantener la tensión narrativa.

Pero el mérito, el éxito vendrá de la mano de Alan Menken, autor de las canciones que serán el verdadero cuerpo de esta película, un musical terrorífico, pues girará en torno a dos argumentos:

1º.- Seymour, un pobre hombre, gris y triste, dependiente de una floristería, enamorado “hasta las trancas” de Audrey, una mujer rubia, preciosa, dulce, y sensible.

2º.- Audrey II, la planta. Una planta que Seymour comprará a un tendero chino en una extraña mañana en la que un eclipse de sol anunciará la llegada de un ser que cambiará el mundo, (si la película hubiera sido española, la narradora habría sido Leyre Pajín, anunciando un encuentro estelar con un ser que devorará a la humanidad).

Seymour adquiere esta planta, curiosa, extraña, una rareza sin clasificar y descatalogada.

Pero la planta no es tal, sino un ser extraterrestre que se alimenta con sangre, y si la sangre es humana, mejor que mejor. Al fin y al cabo, estamos en un blog de Cine y Gastronomía, y aquí se sirve un menú único: carne humana.

Se establecerá un vínculo muy estrecho entre Seymour y Audrey II, la planta. Él la cuidará y alimentará, y ella, se abrirá a él ofreciéndole, (pues habla), todo cuanto él pueda desear, tan solo a cambio de sangre, al principio la suya, pero según come y bebe sangre, Audrey II irá creciendo, necesitando mas y mas cada día…

Antes decía que Seymour estaba enamorado de Audrey, la muchacha rubia. Pues bien, lo está, sin remedio, y le duele ver el desprecio con que es tratada por su novio, Orin Scrivello, (Steve Martin), un dentista sádico que solo siente placer a través del dolor, ajeno claro, tanto de sus pacientes como el de Audrey, a quien despreciará sin mesura.

No puedo evitar hacer un alto para mencionar otra de las claves del éxito de esta película, el reparto. Los actores secundarios son de tal talla, de tal calibre, que refuerzan el reparto con nombres tales como Steve Martin, Bill Murray, (el que menos aparece en la película, pero tal vez mi personaje favorito, breve e intenso, un sádico que goza poniéndose en mano de su dentista, hilarante), o el propio James Belushi, (Blues Brothers).

La planta, Audrey II, consciente del dilema en que vive Audrey amando a una mujer a la que no podrá alcanzar, y odiando al dentista con quien no se puede medir… Hará una propuesta terrorífica al tendero para sacar tajada… O tajadas.

Una película maravillosa con una banda sonora todavía mejor, un tema truculento, (el amor imposible), y otro morboso, la invasión de la tierra por extraterrestres… (¿O es al revés, lo mismo da, “tanto monta, monta tanto…”). El mejor cóctel para una noche de diversión para los amantes del musical, la comedia y la ficción desmedida.

Cuando el destino nos alcance

2009-10-26T13:15:00.003+01:00

Ficha técnica

Título: Cuando El destino nos alcance
Título original: Soylent Green
Director: Richard Fleischer
Año: 1973
Nacionalidad: USA
Producción: MGM
Duración: 97’
Guión: Stanley R. Greenberg (novela: Harry Harrison)
Fotografía: Richard R. Kline
Música: Fred Myrow

Ficha artística

Charlton Heston (Robert Thorn)
Leigh Taylor-Young (“Mobiliario”)
Edward G. Robinson (Sol Roth)

“Soylent Green”, título original de la película, es una fabulosa ficción futurista con carácter dramático, apocalíptico. Nadie ha hecho todavía una película futurista para decirnos que seremos más altos, más guapos y más inteligentes.

Visión trágica sobre el “destino” que nos espera, y según la película, a la vuelta de la esquina.

El protagonista es Robert Thorn, (una vez más, Charlton Heston interpretará un papel rebelde e inconformista que se rebela a su propio presente, en El planeta de los simios hará lo propio, pero renegando del futuro).

Un presente, el de la película, que nos presenta una Nueva York con exceso de población, nada menos que 40.000.000 de habitantes. Habitantes que mal comen y mal viven, apiñados en las calles, masa social dócil y de pocas luces, interesados sobre todo en sobrevivir y encontrar un lugar donde caer rendido por la noche para dormir. Especialmente impactantes resultarán las escenas en las que Robert Thorn tiene que ir sorteando los cuerpos dormidos de las personas en descansillos y escaleras, sin recursos para vivir, sin hogar y sin más posesión que sus cuerpos, y no siempre éstos últimos.

Pues veremos personas sin identidad, personas, (como los replicantes de Blade Runner, pero de carne y hueso), despojados de sentimientos y emociones, presentados como simples muebles, objetos. Tal es el caso de la protagonista femenina, que es un mueble, un objeto, a disposición de su amo, o mejor dicho, propietario. Todo por tener un techo que la cobije y algo que llevarse a la boca para no desfallecer.

Son impactantes las escenas de revueltas callejeras, y ver cómo la policía usa como arma unas escavadoras enormes para retirar a la gente de las calles.

Podríamos decir que la película habla de amistad, que también, entre Robert Thorn y Sol Roth, colegas de trabajo separaos por un salto generacional. Sol Roth, policía, como Robert, será quien abra los ojos al joven policía. Le abre los ojos para entender la vida que está mal viviendo. Robert no le entiende, ha nacido y vivido siempre bajo ese ambiente opresivo, en carestía alimenticia, de hecho ni comprende esa carestía, pues nunca ha tenido abundancia. Pero Sol sí, Sol nació y vivió en una época en la que comer un bistec era algo cotidiano, saborearlo y disfrutarlo estaba a la orden del día. De ahí que esa falta de alimento, en el año 2020 le desespera, pues si malo es no conocer los placeres de la alimentación, peor es haberlo conocido y recordarlo para no alcanzarlo.

La película nos plantea una sociedad desbordada por la sobrepoblación. Los recursos alimenticios son raquíticos, por lo que sólo la élite tendrá acceso al alimento, tal cual lo conocemos nosotros hoy en día. Para entonces, la masa se alimentará con compuestos artificiales, de la marca Soylent.

Dije que el título original de la película es Soylent Green, y no por nada. Pues se trata de la nueva gama de producto alimenticio que se empieza a distribuir en la película, verde por venir del plancton… Verde por ser natural, alimento humano garantizado, Soylent, por su marca.

Pues bien. Como tema central de la película: el alimento, éste y la investigación que emprenderá Robert Thorn a partir de unas premisas planteadas por su amigo Sol.

Pero más allá del alimento, hay otro tema importante, tal vez secundario, pero relevante: la eutanasia.

Una eutanasia que no se trata con profundidad, aunque presentada de tal modo que más bien pareciera, en vez de muerte, solución, (cuando no mero negociar con la desesperación ajena). Presentada como el sueño último de toda persona, lo más revolucionario, lo más placentero, imbuyéndote sin preámbulos, “Mar adentro” en tus recuerdos, tumbándote de modo placentero y viendo un video que te recuerda lo que era nuestro planeta, antes de masificaciones, antes de escasez de alimentos, los sueños de cada cual, proyectados y rememorados mientras te quitan la vida sin sentirlo… Es como sentarse a ver el montaje, (con cariz masoquista), del documental sobre el cambio climático de Al Gore, con el riesgo que ello supone. El uno muere y el otro se llena los bolsillos.

Esta película, una vez más, trató de sacudir nuestras conciencias, con escasos resultados. Película que ha pasado sin pena ni gloria salvo para los amantes del cine futurista, (más que de ficción), para los apocalípticos y para los que tienen escasas esperanzas depositadas en nuestra especie.

Pero película de culto, altamente recomendable, al fin y al cabo.

Entre copas

2009-10-13T22:12:00.002+02:00

Ficha técnica

Título: Entrecopas
Título original: Sideways
Director: Alexander Payne
Año: 2004
Nacionalidad: EE.UU.
Producción: Fox Searchlight Pictures
Duración: 123 minutos
Guión: Alexander Payne y Jim Taylor (Novela: Rex Pickett)
Fotografía: Phedom Papamichael
Música: Rolfe Kent

Ficha artística

Paul Giamatti (Miles)
Sandra Oh (Stephanie)
Virginia Madsen (Maya)
Thomas Haden Church (Jack)

Oscar al Mejor Guión Adaptado, 5 nominaciones, incluida Mejor Película.

Hoy veremos una película que ensalza el valor de la amistad. Amistad bien y mal comprendida. La bien comprendida se encarnará en el intento de Miles, (un eterno aspirante a escritor), por dar un homenaje a su mejor amigo (Jack, un actor venido a menos y casi fracasado) y regalarle una semana de placer viajando a lo largo de la costa californiana justo antes de su boda.

Una película que pone de manifiesto las múltiples debilidades que tenemos todos. Miles piensa desinteresadamente en su amigo, pero peca de egoísmo al organizar una ruta vinícola para su amigo Jack, quien no entiende de vinos.

Miles es un amante del buen vino. No siente pereza en subirse a su coche y atravesar medio estado, incluso en pasar tres días al volante para llegar a una bodega concreta y saborear los caldos in situ. Jack se bebe hasta el agua de los floreros y no sabe distinguir un buen vino de mosto de una uva apretada en la palma de la mano.

Jack está a punto de casarse pero siente pavor ante la expectativa de encadenarse a la mujer equivocada por el resto de sus días. Y así empieza el viaje (la película) uniendo a los dos compañeros de habitación en época universitaria que ven más bien frustrados los sueños que compartieran unos cuantos años antes.

Miles se ha divorciado pero es incapaz de superar y rellenar el vacío dejado por su mujer. Esto hará que todos sus pensamientos terminen siempre encaminados hacia ella y ni siquiera sea capaz de disfrutar los mejores momentos que van pasando por delante de él y se le escapan. Es capaz de abrir una botella de vino y empezar ensalzando las bondades de un buen vino, pero dos botellas más tarde no será capaz de pensar con claridad y automáticamente pensará en su antigua esposa.

El viaje se irá complicando en la medida que aparecen personajes femeninos en el itinerario. Miles conoce desde hace unos meses a una camarera por la que pierde el sentido pero es demasiado tímido y no se atreve a abrirle su corazón. Y para colmo tiene el lastre de su ex mujer que no puede quitársela de la cabeza.

Y así entrarán en escena Stephanie y Maya, la una camarera y casualmente experta en vinos, y secretamente atraída por Miles. Maya trabaja en una bodega y tiene apetitos difícilmente saciables por la comida, el vino y los hombres.

Dos hombres de viaje con un retorno dudoso, dos mujeres ancladas en una tierra en la que son felices y una boda en un horizonte tan cercano como distante que, como bien dijera al principio, harán que las vidas de los cuatro se tambaleen y se desorienten por unos días entre viñedos.

Y es que de vinos trata la película, también. Pues toda la trama girará sin remedio en torno al vino. Cada etapa del viaje está programada para visitar un viñedo y degustar, catar, beber y comprar vinos.

De sobra conocemos el vino español, las diferencias entre el Rioja y el Ribera del Duero, los vinos franceses e italianos, pero lejos nos queda a menudo el mundo vinícola allende nuestras fronteras, sea chileno, australiano, neozelandés o como nos concierne en la película americano, por más concretar: californiano.

Después de la película hubo un “bum” en los Estados Unidos y hasta se creó una ruta que hacía parada en cada una de las paradas de la película. Cierto es que, defectos y egoísmos a parte, la película nos da una verdadera lección de los caldos que se cultivan al otro lado del Atlántico, a orillas del Pacífico.

En esta película no habrá situaciones límites que hagan tambalearse los principios humanos, no habrá ningún efecto especial que nos asombre, ni sustos que nos atenacen a la butaca. Esta vida habla de cuatro personas tan cotidianas como los espectadores, con nuestros mismos defectos y virtudes, y tal vez sea ésta su máxima virtud, la sencillez al hablar de personas normales con problemas y vidas normales. Alianzas que pesan como condenas y amores prohibidos que regalan libertad.

Un toque de canela

2009-09-27T01:47:00.004+02:00

Ficha técnica

Título: Un toque de canela
Director: Tassos Boulmetis
Título original: Politiki kouzina, (Πολίτικη Κουζίνα)
Año: 2003
Nacionalidad: Grecia - Turquía
Producción: Lily Papadopoulos
Duración: 108’
Guión: Tassos Boulmetis
Fotografía: Takis Zerboulakos
Música: Evanthia Reboutsika
Productora: Greek Film Center / Filmnet / Cinegram
Montaje: Yorgo Mavropsaridis
Vestuario: Bianca Nikolaziri

Ficha artística

Georges Corraface (Fanis Iakovides)
Ieroklis Michaelidis (Savas Iakovides)
Renia Louizidou (Soultana Iakovidu)
Stelios Mainas (Tío Aimilios)
Markos Osse (Fanis de joven)

Basak Köklükaya (Saime)

“Hay dos tipos de viajeros en la vida, aquellos que parten y aquellos que retornan, los primeros miran el mapa, los segundos miran el espejo…”

Estas palabras se las dirá el tío Aimilios a Fanis, y podría decir que es la mejor manera de sintetizar la película y lo que Tassos Boulmeti quería transmitir en ella.

Un Boulmeti que emigrara a los Estados Unidos para perfeccionar su carrera de cineasta alejada de su tierra natal, Grecia, y su primera vocación, la ciencia. No obstante, tras un largo periplo publicitario y colaborando en diferentes películas de Hollywood, en donde aprendió las técnicas, (incluidas en efectos especiales, aunque esta película carece de ellos), que luego metió en la maleta al regresar a Europa.

Probablemente estamos ante la mejor película del cine griego, sino en cuanto su calidad, (que es muy alta), sí en cuanto a recaudación y número de asistentes, batiendo todos los records griegos de la historia de su cine e igualando a Titanic en las estadísticas.

No puedo negar que al verla intuí ciertos paralelismos con Cinema Paradiso, del italiano Giuseppe Tornatore, tales como la infancia añorada, la presencia del amor que queda en el baúl de los recuerdos y la figura del adulto comprensivo y tierno como referente para un preadolescente que se distanciará de él y nunca mirará atrás hasta que siente la llamada de la tierra, la nostalgia, los recuerdos y el corazón.

Fanis, (protagonista), es un muchacho griego que se cría en Turquía, en Estambul, de padres griegos, cristianos ortodoxos, inmerso en el mundo islámico. Su abuelo, un tendero que vende especias, le irá explicando cómo enfrentarse a la vida a través de una retórica filosófica cuyos elementos, como punto de partida, serán siempre productos culinarios, y más concretamente, las especias. Filósofo y amante de la astronomía, sin pretensiones, como afición, pero a la cual recurrirá cada vez que tenga que dar una explicación a su nieto. Y tendero como era, vendiendo especias, sentía la cocina muy dentro, por lo cual compaginará durante toda su vida sus dos aficiones, razonando a Fanis que ambas están estrechamente unidas, pues incluso, la astronomía, según él, forma parte, de algún modo de la gastronomía, motivo por el que quiere razonar que ambas palabras se fusionen en una, o mejor dicho, que por ese motivo, aparece la palabra “astronomía”, (g-astronomía), dentro de la otra.

Hay una escena en la que el abuelo Basilis explica el universo a Fanis, dibujándolo sobre una mesa con especias que bien merece verse toda la película para ver cómo, en una amalgama de colores, representa a la tierra con un puñado de sal.

Tenemos en esta película un perfecto mosaico de especias que nos salpicarán en cada escena y contrastarán entre sí, dependiendo siempre de qué tipo de gastronomía nos presente en cada escena, sea europea, por Grecia, o asiática por Turquía. No podemos obviar el influjo asiático en la gastronomía griega, así como la impronta musulmana en la misma. La griega, mediterránea por todos sus costados, dados los roces demográfico culturales propios de su historia y su geografía ha sido influida, y en algunos casos beneficiada por la oriental, de ahí la abundancia de especias.

Unas especias más propias de Asia, así como el interés europeo, y me remonto a la Edad Media, por alcanzarlas, abastecerse y disfrutarlas, hecho que no ha variado ni un ápice con el paso de los siglos, y podría remontarme incluso a la época romana, llegándose incluso a crear rutas específicas para conseguir tan preciado bien.

Especias que dotarán de colorido a la pantalla, e incluso, con el revuelo que los personajes armarán cada vez que se adentren en una cocina nos sentiremos impregnados con sus aromas y texturas. Pues cocinas se ven, y bastantes en esta película, cocinas, cocineros, cocineras, principiantes, aprendices, e incluso veremos un episodio en el que hasta toda una familia opina sobre la idoneidad de una novia para entrar a formar parte de la familia en función de sus dotes culinarias. E incluso hasta una cocina de juguete, que le regaló Saime, el eterno amor de su juventud, cuando tuvo que abandonar traumáticamente Turquía con el resto de su familia.

Porque parte dramática hay, y de tensión, pues como griegos residentes en Turquía, y debido a las constantes tensiones políticas (y religiosas) entre ambas naciones y modos de entender la vida y la Libertad, siempre habrá un fondo prebélico en la película, llegando a deportar Turquía a todos los griegos residentes en su territorio por temer el espionaje, y esto precisamente le pasa a la familia de Fanis, motivo central de la película, que le separará de su abuelo por muchos años, pues una vez en Grecia, siempre esperarán la visita de este. Existirá una condición que la policía turca pondrá al padre de Fanis para poder quedarse con toda su familia, convertirse al islam. Con todo el dolor de su corazón, decide no hacerlo, incluso viéndose obligado a irse a Grecia, fiel a sus principios, marchándose de la ciudad que pese a ser griego de nacimiento, ama de toda la vida.

Con el paso de los años, Fanis será un cocinero consumado y se dedicará a la astronomía, cerrando un círculo impulsado por su abuelo cuando niño.

El cocinero, el ladrón, su mujer y su amante

2009-08-05T14:21:00.008+02:00

Ficha técnica

Título original: The Cook, the Thief, his Wife and her Lover
Director: Peter Greenaway
Año: 1989
Nacionalidad: Reino Unido
Producción: Allarts Cook Ltd. / Erato Films / Films Inc.
Duración: 123’
Guión: Peter Greenaway
Fotografía: Sacha Vierny
Música: Michael Nyman

Ficha artística

Richard Bohringer (Richard Borst, el cocinero)
Michael Gambon (Albert Spica, el ladrón)
Helen Mirren (Georgina Spica, su mujer)
Alan Howard (Michael, su amante)

Define el diccionario de la Real Academia Española, a la bacanal, como “Dicho de ciertas fiestas de las Antigüedad: Celebradas en honor del dios Baco”, en su primera acepción, y “Orgía con mucho desorden y tumulto”, en la tercera.

Y tal sería la palabra, si tuviera que seleccionar una sola palabra, para definir esta película. Una orgía para los sentidos, pues viéndola sentiremos un bombardeo visual, olfativo, táctil, auditivo y gustativo.

Se trata de una película que pasó sin pena ni gloria por las carteleras, de esas que se rescatan de madrugada, que por casualidad se tienen en una videoteca o ponen a deshora en alguna televisión… Eso en cuanto a la crítica constructiva, porque destructiva sí cosechó alguna.

Pues bien, esta vez os invito a una orgía, sí, tal cual, para ver una película dura, muy dura, pese a la historia de amor que subyace en su guión. Dura porque Peter Greenaway no escatima a la hora de llamar a las cosas por su nombre, dura porque en esta película no se insinuará nada implícitamente, es una película explícita, tanto en las escenas de violencia, que las hay, como al tratar la sexualidad, o reflejar la grosería del inculto prepotente, (motivo que sirvió en bandeja la cabeza de Greenaway a la hora de recolectar críticas por falta de gusto). Y no creo que se trate de tal cosa, falta de gusto, creo más bien, que en esta película hay una sinceridad hiriente, lejos de la sempiterna autocensura de lo políticamente correcto, de la cual huyo desde hace años y me revuelve las tripas al ver cómo maquillamos lo que decimos, lo que pensamos, lo que comunicamos en pos de no ofender a terceros. Autocensura de un Occidente reprimido y avergonzado por su Historia, una Historia de fronteras superadas y retos coronados. Y por esto chirría esta película, porque su clave narrativa no pone paños calientes, porque su escritor no se refugió en un diccionario de sinónimos, mejor llamarlo de “eufemismos”. Escrita por el propio Greenaway, la orgía que representa esta pieza de barroco tardío y cinematográfico hiere a los espectadores más sensibles y causa repulsa en los menos ilustrados.

“Barroco tardío” he dicho… Y creo decir bien, pues sin tal adjetivación no se entendería la orgía que quiero presentaros.

Y como de cocina se trata, despiezaré la película en cinco partes, sentido por sentido, para abriros el apetito.

Oído: esta película nos regala una de las mejores bandas sonoras, (subjetivo), del cine. Una línea constante que llega a abotargar al espectador, sobrepasándolo por su pureza en una voz blanca, casi de castrato, a la antigua usanza, con una música aguda que penetra nuestros tímpanos y se recrea acompasando el martillo sobre nuestro yunque, acompasado, constante, sin pausa, dulce, contrastando con el resto de los sentidos…

Y no sólo los sentidos. Decía al principio que esta película es "dura, muy dura". Una de esas durezas, ciñéndome al sentido en cuestión, hará que esa armonía musical se contraponga una vez sí y otra también con los diálogos de los personajes: groseros, bastos, obscenos, bajunos y desagradables. Cuando no monólogos de Albert Spica, (el ladrón), magníficamente interpretado por Michael Gambon, quien acapara, diría yo, el ochenta por ciento de los diálogos hablando, avasallando a todos los que le rodean, haciendo cierto aquello de quien más habla es el que menos tiene que decir.

Y sus silencios… Al contrario de Albert Spica, mal educado y siniestro, cuanto más nobles y puros de corazón son los personajes de esta película, menos hablarán en ella. Por miedo al ladrón, por miedo a ser sobrepasados por una verborrea atragantante, por respeto, por educación. Hay personajes que no abrirán su boca hasta mediada la película, y que sin embargo lo dirán todo, lo expresarán todo con sus gestos, con sus miradas, con sus estados de ánimo, con el apetito… Magistral.

Vista: aquí radicará realmente el éxito, (subjetivo), de esta película. Una película de una belleza plástica tal, que costará acostumbrarse a su juego de colores e iluminaciones. Comenzaré justificando lo de “barroco”, pues miremos donde miremos, la pantalla estará constantemente rebosando objetos, repleta de imágenes que una por una son dignas de una fotografía enmarcada y en conjunto son de una armonía digna de quitarse el sombrero.

Usaré “siniestra” para adjetivar la fotografía, pese a que ya he usado el término con anterioridad, al hablar de Albert Spica, pues la película, en si misma lo es. Una oscuridad cuasi sempiterna, que llenará de sombras las escenas, ocultando pasiones, sentimientos, amantes furtivos…

Y colorida, arrebatadoramente colorida es esta película. Tal vez una de las películas, pese a la oscuridad como constante, que mejor juega con el color, creando y recreando ambientes, escenarios, emociones a través del color. Un colorido orgiástico, desproporcionado en sus perfectas proporciones, embriagador, sublime y maravilloso… Cada escenario, (hago un inciso para comentar que casi toda la película se desarrolla en un restaurante, del propio Spica, delincuente y propietario), aparcamiento, cocina, comedor, aseos… Tiene su propio colorido, azul, verde, rojo y blanco… Llevado hasta tal extremo que las luces de cada estancia, la decoración en cada una de ellas varía con tan solo abrir y cerrar una puerta, y no solo eso, (barroca decía al principio), las ropas de los personajes, sí su ropa, (diseñada por Jean Paul Gaultier), se irá tornando camaleónicamente del color de la estancia en donde se encuentren, así, un vestido rojo rubí en el comedor, será blanco como la nieve en el aseo, y verde en la cocina, azul en el aparcamiento, “orgía” visual para el espectador, carnaza para críticos amargados por su monocromía intelectual.

Olfato: como si del mercado de especias de Luxor se tratara, una vez dentro de la película, los olores nos impregnan las vestiduras, nos empapamos con ellos, cubriendo nuestros propios cuerpos ora con una magnífica salsa holandesa, ora con una cabeza de cerdo putrefacta y en descomposición. Nos deleitaremos imaginando los aromas de los platos creados por el cocinero y se nos revolverán las tripas al escuchar en boca de Albert Spica cómo varía el olor de la orina en función del alimento, incluso en cómo se agudiza éste en los fumadores. Un torbellino de sensaciones olfativas que se introducirán por nuestros apéndices nasales a pesar de ver sus orígenes tras la pantalla.

Tacto: que no faltará en esta película. Un tacto plural, variado, de lo grotesco y humillante, (me remito a la primera escena de la película, en la que se veja obscenamente a una persona), al sublime entre amantes descubriendo sus respectivos cuerpos, amándose a través de las yemas de los dedos, explorándose a escondidas, a hurtadillas, en las sombras…

Un tacto que nos hace identificar la rugosidad de un pato muerto y recién desplumado, la textura de las ostras antes de ser degustadas, el tacto que eriza el cabello tras una caricia impregnada de deseo. Tipos de tacto que se repetirán y sucederán a lo largo de la película, un tacto explícito en la desnudez de los amantes, en el espárrago que se coge con los dedos y se lleva a la boca, en el agua purificadora que arrastra consigo los gérmenes… E implícito, cuando, nuevamente, el desagradable protagonista fantasea con la sexualidad de su mujer a voces en el restaurante.

Gusto: Variopinto.

Cabría decir, gusto y disgusto.

Y veremos mucho de esto. El gusto por los alimentos bien cocinados y sabrosos, el gusto por la decoración y por los complementos, el gusto por comer sano… Y el disgusto por ver comida podrida, por ver a los perros rebozándose en los alimentos, los excrementos y las vejaciones, la falta de modales y la extorsión, el guiso que no complace, el gesto que desagrada.

Con todo esto, he querido dejar la mención a Helen Mirren para el final, quien se come la pantalla, cuando habla y sobre todo cuando calla. Mujer hecha y derecha, en la pantalla y fuera de ella. De mirada penetrante, de gesto elegante, columna vertebral de un guión hecho a su medida, a pesar de lo arriesgado, por las escenas de sexo, casi explícito en que se desenvuelve no con soltura, sino con elegancia. En las sombras, a oscuras, con luz verde de fondo, luz roja y blanca… Blanca, pura, elegante, balsámica, relajante, que desnuda con su claridad, que se refleja en los vestidos, en los ojos, en las miradas, en el cabello rubio de tan hermosa mujer, que relaja y acelera el corazón, que intimida por su claridad e ilumina el camino a seguir, lo marca, lo muestra… Lo refleja y lo descubre.

La quimera del oro

2009-07-28T11:43:00.004+02:00

Ficha técnica

Director: Charles Chaplin
Título original: The gold rush.
Nacionalidad: EE.UU.
Producción: Charles Chaplin
Duración: 96’
Guión: Charles Chaplin
Fotografía: Roland Totheroh
Música: Charles Chaplin
Montaje: Jack Wilson

Narrador (en off): Charles Chaplin
Año: 1925 (reestreno: 1942)

Ficha artística

Charles Chaplin (Vagabundo)
Georgia Hale (Georgia)

En los años de la gran represión, masas humanas se desplazan de uno a otro confín del territorio americano en busca de oro, sometidos a la fiebre del oro. Empresarios arruinados, desempleados, padres de familia en busca del sustento para los suyos, y vagabundos, que por carambola siguen la inercia y terminan buscando oro.

Este es el caso de Chaplin en La quimera del oro, un vagabundo en Klondike, territorio fronterizo entre la frontera occidental del Canadá y Alaska. Un vagabundo atraído por la fiebre del oro, buscando un techo que le proteja del clima extremo en un territorio de condiciones extremas, sumido en una tormenta polar que amenaza con enterrar sus huesos bajo el hielo y la nieve.

Querrá el azar que Chaplin encuentre una cabaña habitada y busque refugio al calor del hogar, del hogar de Larsen, nada menos que un preso convicto, por asesinato y fugado, que ha hecho de esta cabaña su particular refugio del clima y de la policía, que lo busca.

Como es de esperar, el asesino fugado no estará dispuesto a compartir su cabaña, por lo que en todo momento pretenderá echar de la misma a Chaplin, sin lograrlo, a medias por un una tormenta de características desproporcionadas, a medias por la insistencia de Chaplin, infatigable. Pero como de azar estamos hablando, querrá éste que aparezca un tercer personaje en escena, Mac Kay, un gigantón que anhela el techo bajo el que “conviven” Chaplin y Larsen. Mediará una pelea entre el convicto y el gigante, tratando ambos de apoderarse de un rifle para reducir al adversario, cosa que no sucede pues lo inutilizarán a media pelea, para bien de Chaplin, pues no importará dónde trate éste de esconderse, que el rifle siempre estará apuntándole.

Chaplin reflejará muchos y muy diversos estados de ánimo en esta película, la soledad y el abandono del vagabundo, la fortuna del buscador de oro, que apuesta el todo por el todo por encontrar unas pepitas, el amor inalcanzable y la paz de espíritu al encontrarlo…

Y también nos brindará escenas que con el tiempo se han convertido en grandes clásicos del cine, pues será en esta cabaña, cuando atenazado por el hambre, Chaplin nos deleite almorzándose una bota de cuero para engañar al su estómago. O aquella en la que Chaplin se convierte en gallina, en las alucinaciones del gigante Mac Kay, quien intentará comérselo sumido en la hambruna.

El cuarto personaje que aparecerá en escena es Georgia, una bailarina que lo utilizará para provocar los celos en su pareja, y de quien Chaplin caerá irremediablemente enamorado. Al terminar la tormenta y escampar, los tres personajes iniciales seguirán sus respectivos caminos, llevando a Chaplin hasta un pueblecito en el que hay un cabaret en el que baila Georgia, quien, más que el alimento o el oro, se convertirá en el profundo sueño de nuestro vagabundo.Otra escena mítica es la que protagoniza Chaplin, para variar, recreando un baile con dos panecillos, a modo de pies, sujetos con tenedores, que son las piernas… No puedo olvidar la recreación de dicha escena en un capítulo de Los Simpsons… Cuando el abuelo Simpson hace lo propio con dos bollitos…

Moros y Cristianos

2009-02-15T15:43:00.001+01:00

Ficha técnica:

Director: Luis García Berlanga
Título original: Moros y cristianos
Nacionalidad: España
Año: 1987
Producción: Estela Films, Cameo
Duración: 116’
Guión: Luis García Berlanga y Rafael Azcona
Fotografía: Domingo Solano

Ficha artística:

Fernando Fernán Gómez (Fernando Planchadell)
Agustín González (Agustín)
Rosa María Sardá (“Cuqui”)
Pedro Ruiz (Pepe)
Andrés Pajares (Marcial)
Verónica Forqué (Monique)
José Luis López Vázquez (López)

Volvemos a cruzar nuestros caminos con el cine de Berlanga. Ya lo hicimos cuando presenté: La vaquilla.

Y nuevamente veremos una radiografía del español de a pie reflejando la realidad social de una familia esperpéntica en la que ninguno destaca precisamente por su coherencia, pero todos podrían hacerlo por lo extravagante y rebuscado. Sobre todo disfrutaremos con las personalidades rocambolescas de los personajes, (no menos rocambolescos), con que nos deleita.

Película filmada en 1987 que acierta de pleno con aspectos propios de nuestra reciente Democracia.

Habla de una familia de turroneros de Jijona que se traslada hasta Madrid para promocionar su turrón, que responde a los apellidos de los familiares, “Planchadell y Calabuch”, cuyo patriarca, Fernando, se agarra a la costumbre y la tradición manifestándose contrario a cualquier avance que venda artificialmente su producto, lejos de la única cualidad que él destacaría a la hora de hacerlo llegar al gran público: la cantidad y calidad de almendra.

También aparecerá el debate sobre el origen del turrón, y como siempre, unos defenderán la ascendencia árabe y otros mediterránea, (catalana para Santiago).

Vienen a Madrid para participar en una muestra gastronómica alquilando un stand con la falsa promesa de uno de los comerciales de la feria de posicionarles en el pasillo central para ser protagonistas cuando las infantas inauguren la feria y se paren para fotografiarse con su turrón, (llegan a especular con la posibilidad de añadir una leyenda en la caja: “Proveedores oficiales de la Casa Real”.

Al llegar a Madrid, los hijos de Fernando, Pepe y Agustín, no harán más que cuentas para vender a su padre lo interesante de la promoción de su producto, de ahí la participación en la feria. Sin embargo, por azares del destino, acabarán en casa de “Cuqui”, la hermana que llegó a Madrid y prosperó con la intención de entrar en la política nacional. Justo cuando llega su familia a Madrid ella se estará preparando para las elecciones en las que aspira a ser elegida como diputada. De ahí a caer en las manos de López, un asesor de imagen, el de Cuqui, para más señales, será todo uno, y eso no hará sino complicar la trama.

Una de las consecuencias de la aparición de López será el cambio del nombre del turrón, dejará de llamarse “Planchadel y Calabuch”, para denominarse: Moros y Cristianos, metiéndose de lleno en las raíces del turrón (y del propio Berlanga), aprovechando la tradición alicantina de la fiesta homónima, (hoy en vías de extinción, no por falta de arraigo, sino por la censura de “lo políticamente correcto” y la vergüenza por defender nuestras señas de identidad).

Ferias, marketing, políticos, servicios domésticos compuestos por inmigrantes, asesores de imagen, la televisión, (Con las manos en la masa), los amigos de Felipe González, (en concreto Coll y su afición al billar), la Casa Real, premios internacionales, (de dudosa reputación), “paletos” en la Capital, (según refleja Berlanga), pensar que al tener un pariente en política te abre las puertas a todos los “trapicheos”, y el Hola… Todos ellos son los ingredientes de la película, esperpento al margen, una extraordinaria caricatura de la España democrática que abre las puertas a la modernidad sin poder desprenderse de algunos rasgos “casposos” propios del cine de berlanga, no por casposo en sí mismo, sino por su maestría al reflejar lo más mezquino y “cutre” de nuestra sociedad.

Película salpicada por los “cameos” o apariciones de personajes famosos en papeles secundarios: José Luis Coll, Antonio Resines, Juan Tamariz, Olga Viza, Chus Lampreabe…

Asimismo, la película, fuera de estereotipos y críticas (propias del género en el que se enmarca), es un espejo de la emergente economía española, asumiendo valores occidentales de la economía de mercado fielmente reflejados en la tradición ferial, en el marketing, las relaciones públicas y los inevitables, y menos celebrables comportamientos, contactos con la Administración (para “apadrinar” una marca). Refleja pues, una España metida de lleno en el mercado de consumo, en la prosperidad democrática y el sueño americano “Made in Spain” en el que para triunfar hay que pasar obligatoriamente por el centro financiero de la nación: Madrid.

En busca del fuego

2008-10-27T17:34:00.010+01:00

Ficha técnica

Director: Jean-Jacques Annaud

Título original: La guerre du feu (Quest for fire)
Nacionalidad: Francia - Canadá
Producción: Coproducción franco canadiense
Duración: 105’
Guión: Gérard Brach (Novela: J.H. Rosny)
Fotografía: Claude Agostini
Música: Philippe Sarde

Ficha artística

Everett McGill
Rae Dawn Chong
Ron Perlman
Nameer El-Kadi
Gary Schwartz

Premios: Oscar Mejor Maquillaje

Al hablar de En busca del fuego me atrevo a confesar que pienso que estoy delante de una grandísima película. Jean-Jacques Annaud nos ofrecerá todo su ingenio en un largometraje exento de efectos especiales. Seguro estoy no obstante de que se trata de la mejor película del género hecha hasta 1981 y más seguro todavía tras las películas que le sucedieron (atendiendo a la prehistoria como tema para el cine).

Nos ofrece una visión tan fiel de la realidad que bien podríamos decir que más que una película se trata de un documental. Pero dejadme que me explique y razone estos dos primeros párrafos tan contundentes.

Cierto es que ya existía filmografía al respecto antes de la aparición de la película de la que estoy hablando hoy. Una filmografía inexacta, irreal e iletrada al meter en el mismo saco (en muchos casos) a dinosaurios y las primeras etapas de la Humanidad, mención aparte a Los cavernícolas, de Ringo Starr, al tratarse de una película no menos genial dentro del registro del género al que pertenece: cómico.

La película se centra en un momento cualquiera de la Prehistoria y narra las desventuras de los protagonistas en la incesable lucha por la llave de la vida: el fuego.

Así pues, teniendo en cuenta esto, como punto de partida, Annaud se las ingenia, con los medios de la época, que no eran los que son ahora para hacer una película extremadamente realista huyendo de artificios, retóricas narrativas y escenas gratuitas. Los 105’ de duración harán que no nos despeguemos de la pantalla, primero disfrutando la película, que no es poco, y segundo, logrando algo que no está al alcance de cualquier película (ni de cualquier Director): hacernos reflexionar.

La película está basada en la no menos genial novela homónima de J.H. Rosny, pero con un grado de adaptación, no sólo al texto, sino también al contexto (esto es, “el documental prehistórico” al que me refería al principio). Y éste es el mérito.

Los protagonistas serán los miembros de un clan de hombres de Cromagnon, (nosotros a falta de un hervor), que interactuarán con clanes de Homo Erectus y Neandertales en la lucha por el territorio y por el fuego. Con lo del “hervor” me refiero a que los Cromagnon son el capítulo anterior al que nosotros estamos escribiendo. Ellos vivieron la última glaciación (nuestro cambio climático pero a la inversa) demostrando una capacidad extrema para adaptarse al medio, característica fundamental en el actual ser humano. Compartían con nosotros muchos rasgos, el físico, casi como el nuestro, y el cerebro. Es el prototipo de “cavernícola”, pues estos sí, habitaban en cuevas para mejor aislarse del entorno hostil (por depredadores, rivales protohumanos y clima).

No es este el lugar para hablar de sus competidores y las diferentes teorías sobre su extinción: los Neandertales. Así como tampoco iniciaré el clásico debate sobre qué tipo de economía profesaban (cazadores o recolectores), pues para eso necesitaríamos un blog especializado y un maestro de ceremonias más diestro que yo en estos temas, tan sólo, y espero que no me lea ningún erudito, diré que todas esas especies mencionadas, decenas de miles de años arriba o abajo, interactuaron en cierto grado en la realidad y en la película. Y aquí vuelvo a las intenciones tanto del autor como del Director, pues esas relaciones sirven para marcar fielmente y a las claras las pautas evolutivas que subrayarán ambos en la novela y en la película.

Y es que es una película que nos habla de supervivencia. De cómo unos pierden la hegemonía hasta la extinción, y de cómo otros toman el testigo y las riendas del destino de la Humanidad.

Por lo tanto, me centraré en dos especies de las que aparecen en la película para no hacer el comentario demasiado intrincado. La del protagonista, Cromagnon, hasta la fecha el punto álgido de la evolución capaz de dominar al resto de sus antecesores y combatir al clima con pieles y cavernas, y el de la protagonista que parecerá mediada la película, que somos nosotros.

Ambos, Rosny y Annaud dejarán patentes ciertos rasgos diferenciadores que aclararán “el hervor” que antes mencionaba.

Como decía, la película trata sobre la obtención del fuego. Los Cromagnon habían aprendido por aquel entonces a conservar el fuego, pero en la película vemos que una vez perdido, son incapaces de volver a crearlo, y de ahí la travesía que emprenden los protagonistas tratando de encontrar fuego y traerlo a modo de brasas de vuelta al clan. Por el contrario, el Homo Sapiens Sapiens, sabrá dominarlo no en su curso, sino también en su nacimiento.

Veremos otros rasgos que nos harán reflexionar.

El concepto de lo “transcendental” no tan patente en los hombres primitivos, capaces de deshacerse de sus caídos sin mirar atrás en una aparente falta de sentimientos que contrastan con los rituales funerarios desarrollados por los Sapiens Sapiens y que de un modo u otro mantenemos en nuestros días.

Veremos cómo cambia el modo de obtención de alimentos. Los cazadores y recolectores se verán forzados al modo de vida nómada en función de las estaciones y de dónde hay frutos que recoger, tanto en la fauna como en la flora. Según evolucione el ser humano logrará dar con nuevas técnicas alimenticias tales como la agricultura y la cría de ganado que le permitirá desarrollar una vida sedentaria con lugar a muchas otras actividades fruto del tiempo y el esfuerzo ahorrado. Cambiarán las cuevas por las chozas, los clanes de número reducido por las comunidades con diversas generaciones, se agudizará el ingenio para elaborar y mejorar los utensilios. Se cuidará de los enfermos y de los mayores en lugar de abandonarlos cuando se han convertido en una carga para la “sociedad” y tendrán cabida nuevos sentimientos, que no digo que no existieran antes, pero atrofiados, como el humor, el entretenimiento, el arte… Y todo esto lo iremos viendo en la película como con un cuenta gotas, magistralmente presentado por Annaud y por el darwinista Rosny ayudado por Desmond Morris, zoólogo estudioso del comportamiento animal para ilustrar los modos en que interactuaban los homínidos que aparecen en la película.

Y como soy filólogo, no podía dejar pasar esta película sin mencionar que no hay diálogos en toda la película. Mejor dicho, sí los hay, desarrollados por el lingüista Anthony Burgess, quien elaboró lenguajes ficticios que bien podrían aproximarse al empleado por los protagonistas. Y aquí he de mencionar, y sin falta, a Juan Luis Arsuaga, a quien tuve el placer de conocer en una conferencia sobre El origen del lenguaje y la mente simbólica, en donde hizo hincapié en la necesidad (por nuestra parte) de comprender que el ser humano es un ser social y que tubo que haber un momento, un punto de inflexión en nuestra evolución que hiciera que amén de sobrevivir pudiéramos plantearnos pequeños y grandes retos intelectules de modo abstracto en nuestras mentes para lograr materializarlos mediante el estudio y la práctica, como por ejemplo: el lenguaje.

Por todo esto y por muchas otras cosas no puedo evitar recomendaros ver esta película, que aunque pospresente elefantes con jersey para simular un mamut es el mejor acercamiento que haya existido para dar a conocer los primeros y torpes pasitos dados por los nuestros para poder terminar escribiendo un blog en Madrid y que lo lean en Buenos Aires a los tres minutos de pulsar un botón.

¡Viven!

2008-04-11T23:34:00.005+02:00

Ficha técnica

Director: Frank Marshall
Año: 1992
Título original: Alive!
Nacionalidad: EE.UU.
Producción: Paramount Pictures / Robert Watts & Kathleen Kennedy Co-producido por Bruce Cohen
Duración: 123 minutos
Guión: John Patrick Shanley (Novela: Piers Paul Read)
Fotografía: Peter james
Música: James Newton Howard

Ficha artística

Ethan Hawke (Nando Parrado)
Vincent Spano (Antonio Balbi)
Josh Hamilton (Antonio Canessa)
Bruce Ramsay (Carlitos)

El impulso que hizo que incluyera esta película en un ciclo de cine y gastronomía responde más al hecho en si de la supervivencia a través de la alimentación que a recrearnos con los alimentos que aparecen en ella. Y en este caso, la alimentación asumirá un protagonismo más destacado que en ninguna otra película.

Pero para entender a qué me refiero tendré que hacer mención a la historia real, pues esta película es un homenaje a las personas de carne y hueso que vivieron lo que los actores interpretan en ésta película “basada en una historia real”.

¡Viven! Es la adaptación al cine de la desventura de un grupo de jóvenes uruguayos (y algunos familiares) pertenecientes al club de rugby Old Christian’s que se dirigen a Chile para jugar un partido. Partido que nunca tendría lugar pues a mitad de trayecto el avión se estrelló en Los Andes en el año 1972.

En el avión viajaban un total de 45 personas. Sólo 16 sobrevivirán. Es la historia de 72 días perdidos en ninguna parte y aislados de la civilización. Cuando se supo del accidente partieron de inmediato aviones y helicópteros para buscar supervivientes, pero el clima, la extensión de Los Andes y el paso de los días dieron por inútiles los esfuerzos abandonando a su suerte a los supervivientes. Y éste era el dilema: no esperaban que pudiera seguir nadie con vida.

72 días en que se enfrentarán a muchos contratiempos, el primero: el accidente. El segundo: los aludes de nieve. El tercero: la pérdida de seres queridos. El cuarto: la pérdida de toda esperanza. El quinto: la ausencia total de alimento.

Y es en este punto en el que me detendré. El alimento, tema crucial en la película pues aquellos que sobrevivieron al accidente se enfrentaron a los 72 días con lo que pudieron encontrar para llevarse a la boca. Nadie esperaba un viaje largo y pocos eran los que habían metido en las maletas algún tipo de alimento, tal vez chocolatinas, botellas de alcohol compradas en el “Duty Free”, galletas y poco mas…

Veremos cómo el grupo se organiza inmediatamente de manera jerárquica, (como sucediera en El señor de las moscas de William Golding), y propio de la especie humana. Los líderes natos son los que en momentos de necesidad se echan la responsabilidad sobre sus hombros y mantienen la cabeza fría para tomar las decisiones que crean acertadas por el bien del grupo. Y dentro de esta jerarquía y autoridad algunos mantienen las ideas claras y establecen horarios y raciones estrictas para el reparto de la comida y la bebida.

Pero hablamos de 16 personas (al final) y 72 días alimentándose a base de chocolatinas y alcohol.

Como todos sabrán, esta película es un drama, si guarda algo de aventura no es otra que la de la supervivencia. Pero hay un tema que subyace y hace de esta experiencia algo más filosófica, espiritual y trascendental. Hasta el momento reunirían (realidad y película) todos los ingredientes para ser catalogada como una película de aventuras (y drama en gran medida por las víctimas). Pero si hay algo, si existe un motivo único por el que esta historia dio la vuelta al mundo y fue primera plana e incluso hoy en día se organizan conferencias y charlas con los supervivientes es porque en un momento dado se quedaron sin alimentos y a las puertas de la muerte se vieron forzados a tomar una medida y decisión trascendental: comerse a los muertos.

Hasta tal punto que los supervivientes tardaron algún tiempo en confesar qué era lo que los había mantenido vivos en un paraje tan desolado. La alegría de ser rescatados se difuminó por el profundo sentimiento de culpabilidad que los embargó, sentimiento por el que se los juzgó en la opinión pública de todo el planeta y un sentimiento enfrentado radicalmente a los principios fundamentales del ser humano, por lo menos el ser humano civilizado: la aversión a la antropofagia.

Y de eso trata al película en gran medida, del debate y la lucha moral que sostienen los protagonistas en privado y discutiendo entre ellos a la hora de afrontar la cruda realidad en una situación límite. Ven a los muertos yacer bajo la nieve y saben que allí es donde ellos estarán a penas en unos días si no toman tamaña decisión y se atreven a ultrajar sus cuerpos para poder así sobrevivir a costa de sus amigos ya fallecidos.

Dilema existencial donde los haya pues se ven forzados a rechazar prejuicios y a sobrevivir a toda costa, es decir, hallando proteínas que les mantengan en pie a costa de un debate interno que les consumirá sus propias entrañas, comiéndose sus prejuicios morales con el fin último de seguir abriendo los ojos una mañana tras otra lejos de toda esperanza.

Y merece la pena volver al punto anterior, al del líder que acaudilla a todos los demás y toma las decisiones trascendentales, recapitulemos pues:

Primero surge la figura que se atreve a insuflar coraje a los que le rodean para apartar a los cadáveres y organizar los restos del avión a modo de refugio.

Después viene el alud de nieve y hay que salir del avión y volver a empezar de cero, qué digo desde cero, desde menos mucho pues no son náufragos en una isla caribeña, están rodeados de nieve y los momentos cálidos no llegan ni de lejos a los cero grados por no mencionar las noches eternas en silencio y por mucho escuchar oirían los dientes castañeando de los amigos.

Mención a parte la decisión de comer esa carne que les de opciones a seguir tirando, pues no hemos de olvidar que aquellos a los que se comen son amigos o familiares, por si pudiera ser más dura la cosa desde algún punto de vista.

Y por fin la última decisión, la de liarse la manta a la cabeza y decidir atravesar la cordillera de Los Andes en busca de una última oportunidad… Y lograron el premio de los que a sin nada que apostar se juegan la propia vida y logran sobrevivir.

Así pues, lejos del tema principal del blog, sirvan estas líneas modestas para homenajear a estos héroes de nuestra especie.

Chocolat

2008-04-05T12:26:00.003+02:00

Ficha técnica
Director: Lasse HallströmAño: 2000
Título original: Chocolat
Nacionalidad: EE.UU.
Producción: Miramax International, David Brown
Duración: 121 minutos
Guión: Robert Nelson Jacobs (Novela de Joanne Harris: Chocolat)
Fotografía: Roger PrattMúsica: Rachel Portman

Ficha artística

Juliette Binoche (Vianne Rocher)
Victoire Thivisol (Anouk)
Alfred Molina (Conde Reynaud)
Lena Olin (Josephine)
Johnny Depp (Roux)
Carrie-Anne Moss (Caroline)
Judi Dench (Armande)
Peter Stromare (Serge)

Nominaciones para los Oscar

Mejor Película, Mejor Actriz Principal, Mejor Actriz de Reparto, Mejor Guión Adaptado y Mejor Música.

La tradición nómada de la rama materna de Vianne hace que ninguna mujer de esa familia pueda echar raíces en ningún lugar. Una extraña historia familiar que hace que tanto Vianne como Anouk se dejen llevar por el viento del norte como si fueran las velas de un velero que va a la deriva.

Hija y madre, madre e hija, ocultan muchos secretos y son en si mismas secretos inconfesables de libertad y autonomía femenina en un mundo europeo, en Francia para concretar en donde las poblaciones a las que les hace llegar el viento carecen de secreto alguno (por las escasas poblaciones de los pueblecitos que frecuentan) y por la ortodoxa tradición católica que practican, y se encargan de rizar el rizo hasta la parodia exagerada narrando a modo de fábula una historia de crítica social más propia del XIX que de nuestra época.

Chocolat es una película preñada de tópicos. Tópicos por otra parte nada novedosos desde Dickens, quien en mi opinión ilustrara como nadie la trastienda de la revolución industrial, sobre todo en Inglaterra. Pero ni la película se desarrolla en Inglaterra, ni la época coincide con Dickens…

¿A qué tópicos me referiré pues? Tópicos planos, de más de sencillos y prototípicos, a saber:

Un pueblecito pequeñito imbuido en sus costumbres y tradiciones ancestrales. La iglesia como corazón de la existencia no sólo de sus feligreses, sino de todos los vecinos, (lo mismo es). Nobleza europea que dada su inactividad ocupan puestos de responsabilidad pública más con el fin de entrometerse en las vidas ajenas que para servir a los ciudadanos. Chocolate, representando a cualquier otro placer terrenal como la máxima expresión de la tentación de Lucifer que pone las manos sobre los débiles de espíritu. El matrimonio como última institución válida a los ojos de Dios. La hembra desvalida y desprotegida en manos del varón machista y carente de sentimientos. El gitano como nómada indómito (vuelve Dickens) circense o natural de ninguna parte. El río como encarnación del deseo carnal y el agua como símbolo de pureza. En general una visión progresista de una Europa que empezaba a abrirse a la lucha de clases.

Como vemos, ninguno de los tópicos que encontraremos en ésta película es original del todo. Más bien no es en absoluto original.

Y sin embargo algo habrá que me haya invitado a seleccionar esta película para el ciclo de cine y gastronomía que nos compete. Y sí: hay ese algo. Por encima de típica y tópica, la película es sensible y dulce. Sensible por los muchos temas que toca de latente sensibilidad incluso en nuestros días, valga reseñar la violencia doméstica. Sensible pues a las injusticias tales como la incultura, la intolerancia y la agresividad sea ésta del género que sea.

Y dulce… Pues es dulce… Sencillo sería basarme en las múltiples escenas de chocolate que aparecen en la película, pero no lo haré. Digo dulce porque Hallström trata con una dulzura exquisita a todos los personajes que integran el reparto. Cuando empecé a escribir éstas líneas pensaba en cómo reflejaba e ilustraba a los personajes femeninos, pero en medio de la escritura he ido deduciendo que no es así, que sí es cierto que los trata con un cariño exquisito, pero de igual manera refleja y trata a los masculinos sabiendo en todos ellos ahondar en sus corazones para, a través de su peor imagen darnos a conocer sus flaquezas, debilidades y temores. Sólo así podrá haber acto de contrición y ser capaces de mejorar.

Decía que me recordaba a Dickens… Pero lo supera. Dickens, creador de la literatura de conciencia social se limitaba a plantear los males que acechaban en la sociedad, pero no aportó ideas para buscar remedio alguno. Sin embargo, Joanne Harris habla de los mismos problemas y sí trata de encontrar las soluciones, a su manera, a base de tópicos archiconocidos pero por lo menos aporta vías de escape para los problemas de los personajes, y para colmo, la película (y la novela) termina bien.

Comer Beber Amar

2008-03-11T21:32:00.004+01:00

Ficha técnica

Director: Ang Lee
Año: 1994
Título original: 飲食男女 (Eat Drink Man Woman)
Nacionalidad: Taiwán
Producción: Kong Hsu, Li-Kong-Hsu, Feng-Chyt Jiang
Duración: 123 minutos
Guión: Ang Lee, James Schamus, Hui-Ling Wang
Fotografía: Jong Lin
Música: Mader

Ficha artística

Si Hung Lung (Chu)
Kuei-Mei Yang (Jen)
Chien-Lien Wu (Chien)
Yu-Wen Wang (Ning)

Nominada al Oscar a la Mejor Película Extranjera en 1995.

Tai Pei 1995. “Capital Provisional de la República de China” desde que el Partido Comunista Chino obligara al exilio al Gobierno legítimo exiliándolo en la actual Taiwán.

Taiwán tiene doble identidad desde entonces. Mayoritariamente poblado por chinos, hablan tres dialectos del chino y cuanto más al norte de la isla se desplaza uno, más afinidad con la China comunista hay. No obstante es la punta de lanza del Capitalismo en dicha zona. La presencia colonial europea dejó su impronta en la economía liberal que ha hecho de la zona el bastión económico de China.

Y sus habitantes comparten esa ambigüedad: al igual que el resto de china hay un profundo sentido del respeto hacia las tradiciones ancestrales en convivencia con una modernidad perfectamente reflejada en la película.

Ang Lee se sumerge pues de lleno en la dicotomía de Taiwán, esa dualidad y doble interpretación de las cosas, según desde el prisma con que se observe la vida cotidiana de Taiwán, y en cuanto a la película: de sus protagonistas.

Un padre, Chu, que será el canalizador de las tradiciones orientales a lo largo de la película. Resulta ser un cocinero afamado único heredero de las artes tradicionales de Taiwán en lo que a gastronomía se refiere. Y como tal es venerado por sus colegas cocineros quienes acatan sus decisiones y alaban su gusto y exquisitez con la tranquilidad de saberse siempre en buenas manos siempre que están dirigidos por él.

Y según vamos descendiendo (en edad) por cada una de sus hijas, iremos viendo cómo esos valores tradicionales y costumbres locales han ido desapareciendo para dar entrada a una vida completamente occidentalizada.

Tres hijas diferentes entre si y parecidas en su hermetismo e incapacidad para transmitir sus sentimientos.

La mayor ha hipotecado su vida por hacer carrera en el mundo empresarial en donde a base de tesón y esfuerzo llega a destacar en una compañía aérea como ejecutiva hasta el punto de ser promocionada como Director de la sede en Ámsterdam.

Otra hija que tras perder un amor cuyo vago recuerdo le enturbia la realidad se centrará en la espiritualidad convirtiéndose al cristianismo y viviendo un celibato auto impuesto por no atreverse a zanjar el pasado y vivir el presente.

Y la tercera hija, dependienta en un Wendy, cadena de comida rápida occidental implantada en aquellas tierras.

Todos estos aspectos, la hermana capitalista, la cristiana y la joven del “fast food” son los puntos divergentes con el padre tradicional y respetado por los que le rodean. Metáfora exquisita de la ruptura generacional y socioeconómica de Taiwán primero, esperemos que de China con el tiempo.

El motivo gastronómico cobrará una importancia inusual en ésta película. Cuando veamos a las hijas viviendo al margen del padre, sus alimentos serán casi siempre comprados ya elaborados y a veces de cadenas de comida rápida, salvo honrosas excepciones.

Cuando se reúnan con el padre para cenar, entonces se impondrá la tradición, él cocina y ellas disfrutan al principio y según pierde facultades el padre le van encontrado pegas a los guisos, cosa que mella el orgullo del padre. No obstante seguirán comiendo juntos y será la comida el único nexo verdadero entre padre e hijas en toda la película.

Mención aparte la relación del padre con la hija de una amiga de su hija mediana. A sabiendas de lo mal que come se preocupa día a día por prepararle la comida para que ésta se la lleve al colegio y la comparta con sus amigas.

El Oscar de Bardem

2008-03-04T10:06:00.003+01:00

Nuevo debate en Cine y Gastronomía.

Buenos días amigos. Hoy os propongo un ejercicio de objetividad: comentaremos el Oscar de Bardem.

Pregunta: ¿Celebramos el Oscar que ha ganado Bardem?

Abro el debate aportando mi opinión. Como punto de partida anticiparé que yo hago dos lecturas al respecto, casi contradictorias entre si, lo cual no hará (creo yo) sino enriquecer el debate.

Postura OBJETIVA: Javier Bardem es un actor como la copa de un pino. Eso no se puede discutir pues no sería realista y yo pretendo huir de fundamentalismos a la hora de opinar. Cierto es que no he visto la película, cosa que haré cuando la pongan en la tele dentro de dos años, lo prometo.

Postura SUBJETIVA: siempre me ha gustado ser coherente con mis principios, llegados a éste punto rebajo el grado de entusiasmo por el premio recién entregado a Bardem. Si bien mi postura "objetiva" me invita a celebrarlo, la subjetiva se impone a golpe de coherencia y sentido común no sentirme identificado con su alegría. Es decir: no lo celebro.

¿Por qué?

Bardem pertenece a un mundo (el del espectáculo) que lamentablemente está impregnado de una ideología que no hace más que calar y calar en cada una de las películas de nuestro cine. Un cine que pasa sin pena ni gloria por las pantallas de nuestras salas. Sin pena ni gloria porque a todos nos consta que hay decenas de pelícuals españolas pero no conozco a nadie que vea más de tres por temporada. Una con ganas (Alatriste), otra por inercia (Torrente) y otra por equivocación al sacar la entrada.

Eso si no me refiero a las medidas extraordinarias para financiar el cine.
No puedo entender dichas medidas: no comprendo que una industria privada tenga que ser financiada por otra industria privada, (televisiones).

No comprendo que haya cuotas de proyección en las salas: en una economía de libre mercado lo lógico es que yo haga una película, (sin subvención alguna) arriesgue mi dinero, la distribuya, y después, en función de la calidad, la gente vaya a verla o la retiren a la semana del estreno (con el consecuente éxito económico o fracaso).

No comprendo las subvenciones públicas para hacer películas, por no mencionar las nuevas medidas en Cataluña de cara a marginar a los actores, guionistas y directores de habla castellana subvencionando con decenas de millones a los que opten por el catalán.

No entiendo que alguien subvencionado con mis impuestos me insulte por mi ideología.

Pero lo que no entiendo, lo que no me entra en la cabeza es la contradicción permanente en que viven los del gremio. De modo que nos encontramos con el sector más radical de nuestra sociedad a la hora de defender sus principios políticos (elogiable por otro lado). Presumiendo de su ideología y sistemáticamente despreciando lo ajeno. Recuerdo al propio Bardem en bicicleta soltando linduras por su boca a las puertas del Congreso. A otra Bardem desplegando una pancarta dentro del mismo. Las ceremonias de los Goya con pegatinas y proclamas políticas (a pesar de ser la ceremonia del cine español y para los españoles), manifestaciones varias... Y siempre abanderando a las izquierdas y siendo santo y seña de la clase obrera. Pero es entrar en el cine, hacer dos películas, triunfar y pasarse el año esperando a las ceremonias de turno para vestir sus mejores galas y sentirse aristócratas por un par de horas enjoyadas y vestidas, pero con un estilo y un porte que a mas de una le sienta el vestido de turno como a un Cristo dos pistolas (con perdón).

Es decir, hago una o dos películas al año (el afortunado) vivo de las subvenciones, los españolitos me pagan la sopa boba, pues esas subvenciones no obligan al cineasta a reinvertir los beneficios en la Industria: no, con ellos me pago el chalet en La Moraleja y saco el tenderete a la piscina. Y después, me permito hacer propaganda política en pos de la masa obrera al tiempo que visto un vestido de 3.000 € el palmo de tela.

Por todo esto no acabo de celebrar el Oscar. Se me podría tachar de mezquino, tal vez, por mezclar las churras con las merinas. Pero no es menos cierto que el primero en mezclar temas (cine y política) es él. Por eso, en cuanto a actor: ¡Felicidades Bardem!, pero como él no tiene cortapisa alguna a la hora de opinar de temas diferentes a su profesión, tampoco yo creo que haya necesidad alguna de guardar silencio.

No sé. Reconocía al principio que yo soy contradictorio en este tema, pero es que no acabo de comprender cómo se ha instaurado una intelectualidad que prima el talante antes que al talento, una intelectualidad que mide tu capacidad por militancias y una inercia tal en la que los reyes se humillan ante los bufones.

Gosford Park

2008-03-03T00:13:00.003+01:00

Ficha técnica
Director: Robert Altman
Año: 2001
Título original: Gosford Park
Nacionalidad: EE.UU.
Producción: Bob Balaban, David Levy
Duración: 137 minutos
Guión: Julian Fellowes
Fotografía: Andrew Dunn
Música: Patrick Doyle

Ficha artística

Maggie Smith (Condesa de Trentham)
Michael Gambon (Sir William McCordle)
Kristin Scott Thomas (Lady Silvia McCordle)
Jeremy Northam (Ivor Novello)
Charles Dance (Lord Stockbridge)
Stephen Fry (Inspector Thompson)
Richard E. Grant (George)

Premios y nominaciones

Oscar al Mejor Guión Original y Premio BAFTA a la mejor película británica de 2002.

Nominada a Mejor Actriz de Reparto (2 actrices), Mejor Dirección Artística, Mejor Diseño de Vestuario, Dirección y Mejor Película.

Pocas veces ha sido capaz el cine de reflejar una realidad social como lo ha logrado Robert Altman en esta película ambientada en los años 30 del pasado siglo en una Inglaterra que se mira al ombligo ajena a la realidad sociopolítica europea y preocupada por mantener el equilibrio de clases que mantiene desde que se constituyera como Imperio.

Una diferenciación de clases jamás mejor plasmada en la pantalla grande con el hándicap de desarrollarse toda la película en un fin de semana en una casa de campo de un acaudalado Sir William McCordle quien es el eje de la vida social de todos los protagonistas “con clase” de la película.

El personaje es clave para comprender por qué se han reunido los presentes, unos por parentesco, otros por amistad, otros por relaciones laborales y todos porque de una u otra manera dependen de él.

Es una película coral con múltiples personajes, múltiples protagonistas y múltiples tramas. Pero hay una trama (social) que subyace a lo largo de la misma, la diferenciación de clases, arriba la nobleza, abajo el servicio.

Y es aquí donde Robert Altman demuestra ser un auténtico genio dividiendo el guión en dos partes (en función de la case social que aparezca en escena), al igual que la localización de los espacios. Resulta profundamente interesante dejarse embaucar por los diferentes ambientes que hacen que una vez terminada la película sepamos comprender mejor a una sociedad heredera de un Imperio venido a menos que hace lo posible por mantener su hegemonía pero es incapaz de actualizarse políticamente.

Arriba veremos el mejor ejemplo de ostentación, lujo y clase.

Abajo veremos al servicio, que por no tener no tiene ni nombre propio pues hay una escena en la que se nos explica que los criados responderán al nombre de sus amos para que todos sepan de quién se está hablando en cada momento de cara a observar celosamente el protocolo cuando suben las escaleras.

Gisford Park es una película que también se sumerge en el cine negro desde el prisma británico, casi al más puro estilo Agatha Christie, situándonos en una alta sociedad y planteándonos un crimen en el que todos los presentes (y hablamos de más de veinte personas) podrían tener un motivo para cometerlo.

Mención a parte para el inspector Thompson, (Stephen Fry), y su modus operandi. Altman rescata la tradición inglesa de hacer de menos a los funcionarios de la policía.

Aristocracia, caza del faisán, opulencia, una estrella de cine estadounidense invitada, (Director incluido), aventuras… Lacayos, sirvientes, chóferes y mayordomos mezclados pero no revueltos en la mejor película del género.

Y en gastronomía… Veremos cómo a pesar de comer los mismos platos, los mismos guisos, la clase y el estatus marcan una enorme diferencia entre unos personajes y otros, entre unas personas y otras. Opulencia hasta en el menú, faisán como mínimo y las mejores salsas, los mejores pescados, carnes, verduras en caso de ser vegetariano… Todo un alarde no sólo de qué servir en la mesa sino que se nos da una clase de protocolo y tradición llegando incluso a recrearse en escenas en las que se mide con regla la distancia entre los cubiertos a la hora de preparar una mesa para una de las cenas.
Estricto protocolo: hasta a la hora de comer. Veremos pasajes de la película en la que se prepara exhaustivamente el orden de los comensales en función del estatus y el sexo.

Reitero que se trata de una película con una riqueza extraordinaria en el cuidado de los detalles y la recreación del ambiente, usos y tradiciones.

En materia de ambiente vuelvo a destacar cómo se maneja el director a la hora de plasmar fielmente cómo se come según estemos viendo escaleras arriba o escaleras abajo.

Los usos llegan a ser incluso exasperantes, la lucha de clases no se limita al servicio y la clase alta, dentro de cada una de estas habrá escalas y graduaciones y Altman culebrea con estilo y saber hacer para ir desgranando el entramado social de la época.

Y si hablamos de costumbres me remito a la escena del desayuno en la que chocan los hábitos de los ingleses si los comparamos con los de los estadounidenses que participan en la película. Ése desayuno en el que hay de todo para comer y cada uno, (según costumbre inglesa), se sirve lo que quiere sin que medie el servicio. Por el contrario los americanos estarán fuera de lugar en ésta escena pues desconocedores de dicha costumbre aguardan a ser servidos y por tanto caen en el ridículo, ya que de ello se encargan algunos de los bretones que ostentan de su doble condición, de nobles y de británicos.

La cena de los idiotas

2008-02-22T23:39:00.004+01:00

Ficha técnica

Director: Francis Veber
Año: 1997

Título original: Le diner de cons
Nacionalidad: Francia
Producción: Gaumont
Duración: 84 minutos
Guión: Francis Veber
Fotografía: Luciano Tovoli
Música: Vladimir Cosma

Ficha artística

Jacques Villeret (François Pignon)
Thierry Lhermitte (Pierre Brochant)
Francis Huster (Leblanc)
Daniel Prévost (Cheval)
Alexandra Vandermoot (Christine)

Nos encontramos ante una comedia desternillante con un planteamiento tan sencillo como efectivo: un escenario, dos personajes principales y un argumento fluido y contundente.

Una película que casi careció de publicidad, (en España y en el resto del mundo). Y sin embargo, como suele suceder, el boca a boca funcionó como una marea imparable que mantuvo su proyección por un año de media en las salas de toda Europa y después e incluso simultáneamente se adaptaría al teatro.

Sencilla, directa, al grano: la cena de los idiotas gira en torno a eso mismo, una reunión de amigos excéntricos que periódicamente se reúne todos los miércoles aportando cada uno de ellos a un “idiota” para saciar sus gustos sádicos y una vez reunidos todos ellos, al terminar la cena decidir cuál de los amigos resultaba vencedor al haber encontrado al mayor idiota de la noche.

Hasta aquí no hay complicación alguna. Francis Veber logra captar al espectador y provoca una evolución en su estado de ánimo conforme avanza la película.

Al principio seremos cómplices de la broma pues reiremos y hasta me permitiría decir, gozaremos con la selección de los candidatos y nos burlaremos íntimamente del final que les espera a los candidatos al mejor idiota.

El criterio para seleccionar a los “idiotas” es bien sencillo. Buscan personajes obscuros, grises, fracasados e infelices sin saberlo. Y es éste “sin saberlo” lo que aporta el matiz agridulce del idiota que vive en la suma felicidad ignorando su propia desdicha.

Unos porque tienen trabajos absorbentes al que se dedican de tal modo que distraen toda su atención hacia él, otros porque tienen aficiones tan peculiares y raras que arrancan la sonrisa de complicidad del espectador. Desde coleccionar boomerangs hasta reproducir las obras de ingeniería civil a base de cerillas, todo vale con tal de buscar a un idiota del que reírse a sus espaldas.

Obvio decir que los únicos conocedores del juego macabro son los organizadores de las cenas. Los pobres idiotas se consideran alagados por poder codearse por una noche con gente de alto standing que les trata de tú a tú, e incluso les pide consejo y opinión sea sobre filosofía, economía… Política, y en el fondo tan solo para alimentar sus respectivos egos, hacer que se crezcan en su vanidad, bajen la guardia y sean todavía más idiotas de lo que originalmente parecían.

Pero todo cambiará el día en que François Pignon haga su aparición en escena. No es un idiota: es “el idiota”. Si hubiera un ránking para medir la idiotez, Pignon lo pulverizaría y habría que crear un nuevo método para clasificarlo.

Pero habrá un factor extraordinario con el que nadie contaba, en concreto para Pierre Brochant, el otro protagonista (no idiota): Pignon resulta no sólo ser el mayor idiota que ha conocido en su vida, también resulta ser el mayor gafe que conocerá.

La entrada de Pignon en la vida de Pierre hará que en el plazo de un par de horas, (la película está narrada casi en tiempo real, de ahí su facilidad para ser llevada al teatro), la vida de Pierre se desmorone como un castillo de naipes en medio de una corriente de viento. La verborrea e ineptitud de Pignon afectarán a Pierre en su salud, matrimonio y economía.

El motivo gastronómico en este caso es “social”, la excusa que supone una cita gastronómica en torno a la cual se crea una costumbre macabra y una cita imprescindible en un grupo de amigos sin escrúpulos. No obstante, y a pesar del nombre, los únicos alimentos que aparecen son una tortilla francesa y un vaso de vino, pero incluso con tan pocas alusiones se verá la exquisitez del paladar francés a través de pequeñas alusiones a uno y otro.

Unas referencias que harán que en unos pocos minutos podamos sacar algunas conclusiones sobre el estereotipo culinario francés. La receta, bien simple, como ya he comentado se compone de una tortilla francesa y un vaso de vino, sin más, y sin menos pues veremos cómo se deleita quien la hace, cómo comparte su placer con quien la come al transmitirle los ingredientes, en concreto haciendo hincapié en las hiervas con que acompaña a los huevos, dando una vuelta de tuerca al refinamiento culinario enriqueciendo una receta tan sencilla potenciándola con condimentos que estimulen los sentidos.

Y un vino… Bueno, pero que adulteran los protagonistas añadiendo vinagre para connotar un poder adquisitivo inferior al real y deducible al tratarse de tan buen vino. Y aquí destacaría yo el punto álgido en lo que a gastronomía se refiere pues todos sabremos (espectadores incluidos) de la presencia del vinagre, todos menos quien lo degusta y echa para atrás llegando incluso a cortársele la digestión.

El estado de ánimo del espectador evoluciona a la par que Pignon va descubriendo la verdad de la extraña invitación hasta ser completamente consciente de su idiotez. En este momento nos replantearemos el significado de toda la película haciendo que rememoremos paso a paso todas las escenas en las que nos hemos reído de Pignon y seamos permeables, al final, mediante empatía, al abatimiento del pobre idiota que ha ido conociendo gradualmente el verdadero motivo de la invitación y el por qué de su selección para la cena de los idiotas.

Delicatessen

2008-02-15T23:26:00.008+01:00

Ficha técnica

Director: Jean-Pierre Jeunet
Año: 1991

Título original: Delicatessen
Nacionalidad: Francia
Producción: UGC / Hachette Première
Duración: 95 minutos
Guión: Jean-Pierre Jeunet, Marc Caro y Gilles Adrien
Fotografía: Darius Khondji
Música: Carlos d’Alessio
Montaje: Hervé Schneid
Efectos especiales: ACME Films, Duboi, Duran

Ficha artística

Dominique Pinon (Louison)
Jean Claude Dreyfus (Carnicero)

Premios

4 Premios César de la Academia Francesa de Cine.
1 Premio de la Academia Europea de Cine.
Premio de la Crítica de Tokio.

Louison (Dominique Pinon) acude a un barrio alejado y aislado de los exteriores de alguna ciudad remota de una Francia, (quién sabe si víctima de una guerra, alguna plaga, superpoblación o pandemia… Los directores nunca lo aclaran en la película), en respuesta a una oferta de trabajo publicada en la prensa.

Una oferta que le responsabilizará del mantenimiento de la finca y los cuidados de las zonas comunes.

La persona que lo contrata es el propietario, o cuando menos el Presidente de la comunidad de vecinos, quien amén de su casa también posee un local comercial en el piso bajo en el que explota una carnicería.

Una carnicería algo escasa de género cuya carne parte y reparte conforme a sus propios criterios y valora según se le antoja y en función de a quién se la vende.

Y digo una Francia devastada porque hay síntomas que nos inducen a pensar como tal a lo largo de toda la película. Sin embargo, Jeunet y Caro (directores) nunca nos revelarán el por qué del ambiente y las circunstancias que rodean a los personajes. Pero logran imbuirnos en esa atmósfera gracias, sobre todo al magnífico trabajo de Darius Khondji quien lleva al extremo un tipo de fotografía inédito hasta la fecha.

Así pues, estos cineastas se unirán y realizarán una de las series de películas más ricas de la filmografía francesa, y cuando menos lo mejor del cine francés (por innovador) de la década de los 90. Aportarán un estilo, una fotografía, un método narrativo hasta entonces desconocido, así como el montaje, la música y un sinfín de elementos que enriquecerán al cine francés y mundial que todavía estaba por hacerse.

Y serán muchos los proyectos, no ya franceses sino internacionales que contarán con su participación (directa o indirecta). Pues de manera directa ambos, juntos y por separado, saltarán el charco y dirigirán películas en Hollywood. Y de manera indirecta pues juntos descubrirán a una serie de actores que destacan a la par por sus físicos (nada comunes) y sus magníficas dotes interpretativas y serán bien recibidos dentro y fuera de Francia.

Y… ¿Por qué Delicatessen?

Es cierto que se trata de una película compleja y no siempre de fácil entendimiento. No por su tema central que casi en el primer minuto queda claro de qué trata: supervivencia llevada al extremo; sino por su estética.

Una estética que responde al sello de sus directores y que luego reproducirán en películas como Amelie, La ciudad de los niños perdidos, Alien resurrección, Seven… Estética dura y transgresora capaz de fijarse en los aspectos más grotescos de los personajes, casi recreándose en el “bad taste” o mal gusto, “kitch”, barroca, recargada y a veces agobiante... Asfixiante diría yo.

Ausencias de luz e imágenes abarrotadas de color que provocan incluso la confusión en el espectador. Rincones repletos de objetos huyendo de espacios diáfanos que llegan a veces a hacerte sentir incómodo o generar sensación de angustia…

Y en materia de gastronomía… Vemos ingredientes para todos los gustos, desde el anciano que “cultiva” o “cría” ranas y caracoles en su propia casa para su consumo a la carnicería del Presidente que vive del trueque y de explotar los favores de su vecina. Volvemos a ver una película en la que todo gira en torno a la ausencia de alimentos, (como sucediera en La vaquilla), lo cual vuelve a agudizar hasta los extremos más insospechados el ingenio de sus protagonistas y sus ganas por sobrevivir.

Pero no precisamente un “sobrevivir” a costa de buscar cualquier cosa que llevarse a la boca… Me refiero a un “sobrevivir” sincero y directo intentando evitar ser, cómo decirlo… “Esa cosa”.

La edad de la inocencia

2008-02-08T19:49:00.002+01:00

Ficha técnica

Director: Martin Scorsese
Año: 1993

Título original: The age of innocence
Nacionalidad: EE.UU.
Producción: Columbia Pictures
Duración: 133 minutos
Guión: Martin Scorsese, Jay Cocks (Novela: Edith Warton)
Fotografía: Florian Ballhaus
Música: Elmer Bernstein
Montaje: Thelma Schoonmaker

Ficha artística

Daniel Day-Lewis (Newland Archer)
Michelle Pfeiffer (Condesa Ellen Olenska)
Winona Ryder (May Welland)

Premios y nominaciones

Oscar al Mejor Diseño de Vestuario.

Nominada a Mejor Actriz de Reparto, Mejor Guión Adaptado, Mejor Banda Sonora y Mejor Dirección de Arte.

Una “voz en off” nos abre las puertas de la alta burguesía neoyorkina del siglo XIX. Y he de decir que esa voz, narradora y descriptiva, logra crear una atmósfera de complicidad con el espectador que lo acurruca y lo mantiene en un duermevela emocional del principio al final de la película.

Una voz que sólo aparecerá en momentos de transición, para mantenernos constantemente ubicados, para que no nos perdamos en divagaciones. Podemos suponer cosas, imaginarlas e incluso intuirlas, pero la prosa utilizada en la película (y en la novela) harán que no perdamos la orientación y no necesitemos especular (en exceso).

Es una película romántica tamizada por el drama. El drama de una vida que pudo ser y que nunca sabremos lo que habría sido en caso de haber tomado otro camino… Y esto hace que la ficción no diste en demasía con respecto a la realidad, pues todos, el que más y el que menos ha tomado y seguirá tomando una u otra decisión, a menudo tomada entre varias alternativas. Y sólo conocemos el resultado de la decisión real: nunca llegaremos a conocer qué habría sucedido si en vez de “A” hubiéramos elegido “B”. Y eso es lo que le pasa a Archer (Daniel Day-Lewis) en la película.

En el Nueva York del siglo XIX, la burguesía recibe una impronta y una herencia profundamente marcada por la burguesía europea. Tiene lo mejor de ésta, (opulencia, posibilidades y posición para vivir vidas desenfadadas), y lo peor, (el qué dirán, cotilleos, falsas apariencias y doble moral).

Y será ésta doble moral (muy victoriana) la que marque irremisiblemente la trama de la película. Archer se verá obligado a tomar decisiones. Él es un abogado prometedor, acomodado y desenfadado que estima a la mujer por igual y desprecia a los que, aun compartiendo clase y posición, ven a la mujer por encima del hombro y se esclavizan (y esclavizan) en uniones matrimoniales que son pura fachada y por dentro están podridas por ausencia de amor y compromiso (salvo el económico). Pero al final se verá obligado por su propia palabra (honor) a formar parte del juego y asumir las reglas como propias.

Cada vez que se juzgue el comportamiento de la condesa Ellen Olenska (y se juzgará con cada aparición suya) se establecerán comparaciones entre Europa y los Estados Unidos, éstos últimos más puritanos y estrictos, incapaces de reconocer libertades tales como el divorcio (según la perspectiva de Archer), aún a costa de la salud psíquica de los cónyuges. Puritanos y herederos de los peregrinos (pilgrims) que partieran de Europa, (principalmente el Reino Unido y Holanda) en busca de la tierra prometida, no en busca de la santidad, sino en su defensa pues como tales se consideraban.

Amor a tres bandas. En principio parece que es a dos, y que la tercera persona en discordia es una persona ingenua y simple que no se entera de lo que acontece. El final nos revelará que los tres eran conocedores de la situación y que cada uno la lidió como bien pudo.

Heredera del amor cortesano, la tradición victoriana de la doble moral se instauraría en aquellos días en las familias pudientes que disfrutaban por igual de lujo y placeres. Cortesanas y cortesanos, amores esporádicos, otros fieles hasta la muerte a pesar de los respectivos cónyuges. Un mundo en el que el flirteo, la insinuación y el erotismo de la mirada elevaban la coquetería a la categoría de arte y el roce instantáneo de una mano desnuda era el martirio más placentero y doloroso que un amante incapaz de poseer a su amada podía experimentar.

En cuanto a la gastronomía me complace presentar una película cuyos platos son tan delicados y exquisitos como el vestuario, el arte y la decoración. Ningún plato desentona, ningún guiso sobra, y son tratados con el mismo gusto que una estatua de mármol, y a veces con tanto decoro que bien podría tomarse por un elemento ornamental en vez de un alimento.

Y es cierto pues a lo largo de la película habrá muchos escenarios opulentos cuyo único motivo decorativo sea una pieza de fruta, una vajilla, o dos y hasta tres presentadas en una misma escena con nombres y apellidos.

En esta película se podrán diferenciar dos escenarios proclives a la gastronomía.

El primero, social: un comedor repleto de comensales gozando con las viandas que sorprenden al paladar más exquisito. Veremos la importancia que tiene servir bien una mesa y cómo se puede alagar al amigo, a la familia o al más profundo enemigo con manjares dignos de los mismos césares.

El segundo en privado: generalmente en torno a una taza de té o café. Habitualmente acompañado por un cigarro puro o por un cigarrillo en caso de tratarse de una dama. Escenarios éstos más indicados para los negocios, los cotilleos, la bajada de caretas para exponer las situaciones con claridad y ambientes íntimos para gozar del amado aún en el silencio incomprendido de una relación imposible e inalcanzable, aún a un palmo de distancia.

Y es en estos episodios, en donde el erotismo del quiero y no puedo: pero lo manifiesto con mis actos y lo insinúo con mis gestos, en este intimismo total y recargado en donde Scorsese se recrea y casi toca el cielo preñando las escenas de una sensualidad incomparable cruzando miradas sutiles, labios sellados e infusiones a punto de ebullición en las manos de aquellos que se aman a todas luces pero se guardan los sentimientos en rincones obscuros, casi llegando a comportamientos fetichistas… Pero sin el “casi” en una Edad de la inocencia que tiene de todo menos lo último.

Adulterio o “paraadulterio”, o “metaadulterio” si a caso existieran las palabras que acabo de usar para describir la profunda conciencia de pecado que mantienen los personajes, no ya por lo que hacen, sino por lo que no llegan a hacer en toda su vida. Una tortura psicológica que condicionará sus existencias rayando la locura y llegando a desvirtuar el amor en muchas ocasiones al auto imponerse censuras morales y penitencias dolorosas allí donde más duelen: el corazón

Es una película hecha con buen gusto, y al tratar el gusto no queda a la zaga.

Tomates verdes fritos

2008-02-01T01:10:00.002+01:00

Ficha técnica

Director: Jon Avnet
Año: 1991
Título original: Fried green tomatoes
Nacionalidad: EE.UU.
Producción: Avnet / Kerner
Duración: 120 minutos
Guión: Fannie Flagg & Carol Sobieski (Novela: Fannie Flagg)
Fotografía: Geoffrey Simpson
Música: Thomas Newman
Montaje: Debra Neil Fisher

Ficha artística

Kathy Bates (Evelyn Couch)

Mary Stuart Masterson (Idgie Threadgoode)
Mary Louise Parker (Ruth Jamison)
Jessica Tandy (Ninny Threadgoode)
Chris O’Donnell (Buddy Threadgoode)

Fannie Flagg nos sumerge en un mundo en el que la crudeza de la realidad se mezcla con las fantasías de la ficción, pero de la ficción menos ficticia pues es un relato que se vertebra a través de otro relato.

La película está basada en la novela homónima escrita por la coguionista, la misma Flagg. Jon Avnet logra recrear la novela de tal modo que casi no tenemos que interpretar lo que vemos, nada explícito, nada sobreentendido, pero todo reflejado de manera sutil, casi pudorosa llevando con maestría las líneas magistrales de la novela.

No es menos cierto que el nivel de comunicación, Director – espectador no es tan intenso como la relación existente entre la escritora y el lector. No podemos negar que aquí se nos facilita buena parte del entendimiento al ver con imágenes lo que al leer tendríamos que imaginar, no obstante, la capacidad descriptiva de Flagg, la capacidad que tiene para susurrarnos al oído lo que no se atreve a escribir a las claras hace que haya una complicidad a la que se acerca y mucho, (pero no del todo), Avnet en su adaptación.

Sutilezas… Esa es la clave para entender esta película.

Amor… Otra clave.

Sutilezas porque al empezar la película y darnos a conocer a los personajes encontraremos a dos niñas que se cogen de la mano dando comienzo a una historia de amor y complicidad que no terminará ni tras la muerte.

Pero digo sutil, porque ese amor no se expresa en la película. Sí veremos sin embargo el amor de amistad que las unirá por el resto de sus días y les hará superar cuantos obstáculos encuentren en lo sucesivo.

El método narrativo que usa Flagg (con maestría) nos crea la necesidad de seguir leyendo y de seguir viendo la película hasta que termina. Un método similar al que usara Mary Shelley al escribir Frankenstein, ésta última usaba el método epistolar (correspondencia) dentro de la narración en primera persona de la historia a cargo de su protagonista una vez llegado el fin de sus días.

Y algo parecido sucede aquí, pues el detonante de la película será la aparición de Ninny Threadgoode, una adorable ancianita ávida de conversación que aborda a Evelyn Couch en la residencia donde vive y empieza, de buenas a primeras a contarle una historia del pasado, de su pasado.

Evelyn Couch es una mujer que se siente decadente porque tras el abandono emocional de un marido que antepone la televisión a su mujer, se refugia en los dulces hasta que empiece a engordar y deje la autoestima olvidada en algún rincón de la casa. Será esta ancianita quien empiece a contarle una historia, por entregas, quien insuflará coraje y amor propio a Evelyn para afrontar su propia realidad y tomar la decisión de luchar por su matrimonio o darlo por perdido.

Así pues lo que empieza por casualidad se convierte en una costumbre, Evelyn visitará a la ancianita una vez por semana porque desea conocer la historia de las dos muchachas que arriesgaron todo por ser felices.

El objeto de nuestro blog (cine y gastronomía) revelará una variedad de alimentos que irán evolucionando en función del estado de ánimo de la protagonista, empezará comiendo chucherías y productos industriales (en su peor momento) para ir mejorando la dieta en la misma medida que recobra las ganas de vivir.

Eso y la gastronomía de la Alabama en blanco y negro, lo más puro del campo y de las tradiciones tanto anglosajonas como las de origen africano en una simbiosis de sabores, gustos y razas mezcladas en una salsa.

Y la miel, condimento esencial para entender esta película. La miel pues veremos a una encantadora de abejas que encantará a su amiga Ruth, encantará a la señora que se debate en sus entrañas si seguir con su marido, encantará a los lectores de la novela y encantará a los espectadores que no podremos dejar de saborear la miel, símbolo de vida y muerte a lo largo de este simpático drama.

La vaquilla

2008-01-25T22:46:00.004+01:00

Ficha técnica

Director: Luis García Berlanga
Año: 1985

Título original: La vaquilla

Nacionalidad: España
Producción: Incine / Jet Films
Duración: 116 minutos
Guión Rafael Azcona y Luis García Berlanga
Fotografía Carlos Suárez
Música Miguel Asins Arbó

Ficha artística

Alfredo Landa Brigada Castro
Santiago Ramos Limeño
Juanjo Puigcorbé Alférez
Guillermo Montesinos Mariano
José Sacristán Teniente Broseta
Agustín González Comandante nacional
Luis Ciges Barbero
Adolfo Marsillach Marqués
Amparo Soler Leal Encarna
Guadalupe Violeta Cela

Luis García Berlanga ha sabido definir la idiosincrasia del pueblo español a lo largo de su filmografía, (Moros y cristianos, La escopeta nacional, Todos a la cárcel…), sabiendo velar los rasgos más obscuros de las personas o cuando menos matizándolos y dándoles una pátina de humor y cinismo del sano.

Humor y cinismo, ambos aparecerán en esta película, el cinismo por cómo unos y otros se desenvuelven y desembarazan de los problemas más (y menos) trascendentales (guerra, muerte, celos, pecado…) Y humor: a raudales.

El contexto de la película es la guerra civil española, en los alrededores de cualquier pueblecito que distara poco más de quince kilómetros del frente. (En concreto la película se rodó en las afueras de Sos del rey Católico, contando con muchos paisanos como extras en las escenas de las fiestas del pueblo y sus calles y edificios como marco para las escenas de la retaguardia del bando nacional). Un frente nada común pues lejos de ser el escenario de enfrentamientos crueles y despiadados, los soldados de ambos bandos, por mucho matar, matan el tiempo.

No debemos olvidar que la guerra del 36 era una lucha entre hermanos, entre familiares, entre españoles. Los unos luchaban contra los republicanos del Frente Popular que se había hecho con el Gobierno tras perder las elecciones, los otros luchaban contra los alzados que se negaban a dar por bueno un golpe intentando derribarlo con otro golpe. En definitiva, nuestra guerra civil fue el ejemplo de lo que puede suceder cuando la razón, el sentido común y la tolerancia son despreciados y la Democracia pierde su valor dejando de ser una herramienta para servir al pueblo y convirtiéndose en una herramienta para servirse de él.

Destaco el aspecto fraternal de ésta guerra porque en no pocas ocasiones tocaría ser nacional o republicano por uno de estos dos factores: situación geográfica o suerte (buena o mala). Es decir, que a más de un republicano le tocaría defender a los nacionales y a más de un liberal enarbolar la tricolor, y como dirían en la película: “¡que si quieres arroz Catalina!”. Así pues tampoco fueron pocas las anécdotas de frentes de batalla sin un tiro al aire y semanas de tedio, tensión olvidada y guerra descafeinada en la que los contendientes coincidieron en el campo de batalla para jugar un partido de fútbol, no entre enemigos, sino entre vecinos (nuestros abuelos) enfrentados por dos causas irreconciliables hasta nuestros días en los que los fantasmas de los muertos vuelven a sobresaltarnos con revisiones históricas.

No seré yo quien diga que nuestra guerra no fue cruel, porque lo fue y mucho. Hubo episodios lamentables y heroicos en ambos bandos en una guerra en la que por primera vez en la Historia se dejó de luchar por la tierra y la fortuna terrenal o celestial para defender ideales, unos ideales por primera vez abstractos, pero definitivamente opuestos.

Y es en este contexto pues, que Berlanga nos arranca una sonrisa al principio, carcajadas al final planteándonos una historia rocambolesca en la que en medio del frente (ese extraño frente “pacífico”) unos soldados republicanos deciden arruinar la fiesta a los nacionales cuando se enteran por la megafonía de propaganda nacional de que va a celebrarse un baile y una novillada al día siguiente.

Una novillada intrascendente, pero nada inocente. En ese tedio y ver las horas y los días pasar en que no pegaban ni un tiro, la propaganda toma el relevo a las armas y puede echar por tierra todas las esperanzas de unos mandos viendo cómo se desploman sus soldados. Y es que el objetivo de los nacionales (en la película) era doble: por un lado darse un homenaje y permitir a los que están en la retaguardia disfrutar de las fiestas del pueblo con encierro, capea, baile y paella para todos. Por otro lado angustiar a los mandos republicanos propagando la sensación de hambruna entre sus hombres, desesperación por no poder asistir a un baile, fundamentalmente por la ausencia de compañía femenina…

No olvidemos que el megáfono, con lo que se hacía propaganda en el frente, (sirva para ilustrar este aspecto la desmoralización que sufrieran los legionarios italianos del CTV de la Littorio, que defendían la causa nacional en Guadalajara, 9 de marzo de 1937, cuando enfrentándose a los también italianos del Batallón Garibaldi sufrieron el “run run” de la propaganda instándolos a rendirse diezmando su moral). Por lo tanto no es descabellada la idea de Berlanga, más bien es uno de los aspectos más realistas de la película.

Fiestas ofrecidas por los nacionales para subir la moral de los suyos (con festejos y comilona) a costa de arruinar la moral de los otros (amargados y hambrientos). Así pues, el Brigada Castro (Alfredo Landa) idea la manera de matar dos pájaros de un tiro: matar a la vaquilla (arruinando el festejo) y comérsela entre todos los del bando republicano (dándose un banquete y subiendo la moral).

El factor gastronómico no será el cómo y el qué comen en la película, en este caso será digno de estudio y reflexión ver cómo unos soldados son capaces de saltarse las normas, romper con lo establecido, infiltrarse tras las líneas enemigas y todo por lograr una pieza para poder comer. No olvidemos que en el frente (a pesar de “idealizado” como el de la película, la gente aprendía a comerse hasta las ratas de las trincheras. Sólo así entenderemos la trascendencia de la vaquilla y la trascendencia de jugarse el tipo para capturarla movidos por el hambre.

Si a esto le unimos la mano magistral de Berlanga para sembrar de detalles gastronómicos las diferentes escenas, (igual que hiciera Saura en ¡Ay Carmela! digna de comentarse más adelante en este mismo blog), veremos un aspecto no bélico pero trascendental para una guerra: la alimentación de la tropa.

Y es que en muchas ocasiones “el rancho” de los nacionales superaba con creces al republicano, no en general, pero sí habitualmente, y esto no te mejora la puntería, pero sí el pulso para sostener el rifle.

Se ven pues numerosas escenas en las que ya tras la línea nacional la comida se caerá fuera de la pantalla, la cesta con embutidos que recibe Mariano de su (ya no) suegra, la paella en la fiesta, la vaquilla como alimento en potencia…

Y no me entretengo con Mariano porque necesitaría un blog diferente para ilustrar sus ataques de celos…

Palomitas...

2008-01-22T11:47:00.000+01:00

Bueno, propongo el debate.

Y para romper el hielo, mi opinión al respecto.

Empiezo confesando que sí, he comido palomitas viendo una película en el cine, lo reconozco... Y por este primer acercamiento al tema podréis deducir lo que opino.

No me gusta que se coman palomitas en una sala pública. No por las palomitas, que están buenísimas, sino por el ruido y por el olor.

El ruido es molesto, a saber: no sabemos qué va a pasar, Sam mira a Frodo y se revela ante él un nuevo aspecto hasta entonces desconocido de su amo, la codicia, no quiere deshacerse del Anillo único, y eso implicará que Sauron prevalezca y venza y suma a la Tierra Media en la obscuridad... Y en medio el de la fila de atrás está comiendo palomitas, "crunch, crunch... Crunch, crunch..." Y de paso hace ruido al tomar el último trago de la bebida para hidratar la lengua, la boca, la laringe y la faringe abrasadas todas ellas por la sal de las palomitas. Esa última gota, la que no sube por la pajita y hace un ruido de mil demonios.

En resumidas cuentas: me saca de quicio y de la película.

Y que conste que tal vez el "gastrónomo" debería defender a las palomitas al tratarse de comida, pero cada cosa en su sitio.

Pues sumando todos estos factores: voto NO a las palomitas en el cine.

Como agua para chocolate

2008-01-21T21:25:00.002+01:00

Ficha técnica

Director: Alfonso Arau
Año: 1992

Título original: Como agua para chocolate
Nacionalidad: Méjico
Duración: 108 minutos
Productor: Alfonso Arau
Guión: Laura Esquivel (y autora de la novela homónima)
Escenografía: Emilio Mendoza, Gonzalo Ceja, Ricardo Mendoza

Ambientación: Denise Pizzini, Marco Arteaga, Mauricio Aguinaco
Vestuario: Carlos Brown
Montaje: Carlos Bolado
Coreografía: Farnesio Bernal
Música: Leo Brower
Fotografía: Emmanuel Lubezki, Steve Berstein

Ficha artística

Marco Leonardi (Pedro)
Lumi Cavazos (Tita)
Regina Torné (Mamá Elena)

Premios

10 premios Ariel en Méjico.
2 premios del festival de cine de Tokyo.

Pocas veces veremos de modo tan explícito y realista la comida en una película. Alfonso Arnau, (director), adapta con maestría la novela de Laura Esquivel, éxito de ventas sin precedentes en Méjico, no sólo por el número de copias que vendió, sino por hacerlo en un país que no cuenta la lectura como una de sus costumbres mas arraigadas. Pero si queremos hacer justicia a la realidad, Alfonso Arnau contó con la inestimable colaboración de la propia escritora para que fuera ella misma la que hiciera una adaptación. Esto y un presupuesto más propio de Hollywood que de Méjico, cosa que provocó no poco rechazo entre los mejicanos pues no terminaban de identificarse con las tendencias cinematográficas del director. En Méjico habrían preferido una adaptación con menos presupuesto y mas sentimiento mejicano.

Comida… Fielmente reflejada, casi desparramada fuera de la pantalla. El realismo de la película es tal que si hiciéramos la prueba casi tocaríamos los alimentos con nuestros dedos.

Pero lejos de reducirse a un simple documental sobre realismo en el tratamiento del alimento, Como agua para chocolate refleja un drama familiar, de amor, de celos y pasión hilvanado con maestría de modo que logra retener la atención del espectador a la par que le abre el apetito.

Y es que en la película, comida hay por doquier: pero con buen gusto. Observaremos a Tita en la cocina. Una cocina que bien podría ser un miembro más de su cuerpo, o mejor sería compararlo con un sentimiento, o un sentido… La gastronomía fluye por sus dedos y baña su cuerpo. Cuando Tita agarra el cuchillo podríamos pensar que simplemente se le alargara una extremidad, como si fuera otra parte más de su cuerpo.

Amor desgarrado y desgarrador, un amor enquistado y sin futuro que apenas cuando nazca estará condenado a morir o por lo menos a mal vivir.

Gastronomía como metáfora y como vehículo para expresar emociones… Veremos que en esta película Tita cocina para evadirse, cocina para alegrarse y alegrar a los que con ella conviven, cocina para vengarse y para limpiar su conciencia, cocina para sanar con el alimento, cocina para alimentar y para servir de metáfora y de comparación. Película en la que todos comen, hasta las gallinas, para las que también "cocina" Tita, y hasta come fósforos… Por amor y por pasión, todo se come y cada alimento tiene un significado que hace que esta película sea redonda de principio a fin.

Película con sabor a cebolla, pues con ella empieza y con ella termina, hasta en eso es redonda… Pues la cebolla provoca el llanto en las protagonistas, llanto de vida que provoca incluso el parto prematuro de Tita, cuya vida le llega como reacción a la comida.

Una vida en la que estará condenada a caer maldita por la tradición familiar y por ser la hija menor no podrá casarse pues está destinada a cuidar de la madre hasta que fallezca. Y éste será el origen del drama que subyace en la trama de la película que os invito a ver. Pero si en algo estimáis mi consejo, lo mejor será verla como sobremesa, una vez finalizada la comida, por la tarde en penumbra y con un hilito de luz entrando por la ventana.